Eddie Redmayne impresiona en el biopic de Stephen Hawking. Julianne Moore emociona como una prematura enferma de Alzheimer. Damien Chazelle honra al jazz. La cartelera se llena también de terror (‘Somos lo que Somos’ y ‘Babadook’) y acción con Liam Neeson en ‘V3enganza’.
“Por terrible que parezca la vida, mientras hay vida, hay esperanza” (Stephen Hawking). A sus 21 años, el joven Stephen Hawking, alumno de Cosmología de la Universidad de Cambridge, recibió un golpe demoledor: la vida se le escapaba. Los médicos le habían diagnosticado ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica), apenas dos años de vida. Más de medio siglo después, el astrofísico británico sigue vivo pese a su continuo y evidente deterioro físico. La enfermedad no ha impedido a Hawking, postrado en una silla de ruedas y sin capacidad para hablar salvo a través de una máquina, convertirse en una de las mayores mentes de la historia de la humanidad, volcado en explicar el origen del universo y el mecanismo de ese bien tan preciado, más en su caso, llamado tiempo. Todo un símbolo por su extraordinaria capacidad mental y de superación gracias a una optimista personalidad.
Pero nada habría sido posible sin Jane, la primera esposa de Hawking, una estudiante de la Facultad de Artes de Cambridge de la que se enamoró, con la que se casó, tuvo sus dos primeros hijos y con la que compartió más de 35 años de vida en común. Detrás del genio siempre está el hombre y, sea tópico o no, una gran mujer. Más que por su contribución a la astrofísica, ‘La Teoría del Todo’ se centra en la relación entre Stephen y Jane Hawking, una historia de amor de las que merecía la pena contarse en el cine. “Ese es el corazón de la película con seguridad y ese es definitivamente el camino que seguí como director de cine, al igual que los dos protagonistas. Es realmente la esencia de la historia, una historia de amor muy inusual en un ambiente muy extraño (…) Se trata de cómo estos dos personajes, estas dos personas reales trascienden todas las complicaciones que la vida depara”, argumentaba James Marsh, director de ‘La Teoría del Todo’, durante el estreno mundial de la película en el Festival de Toronto.
Marsh, ganador del Oscar por ‘Man on Wire’ (2008), sobre el funambulista francés Philippe Petit, famoso por cruzar las Torres Gemelas con un cable en 1974, es un reconocido documentalista que ha contado en ‘La Teoría del Todo’ con un impresionante Eddie Redmayne (‘Los Miserables’ de Tom Hooper, 2012) que ha tenido el privilegio y la responsabilidad de interpretar a Hawking. El astrofísico británico, que visitó en un par de ocasiones el rodaje y aparece con su voz electrónica real al final de la película, ha dado “el enorme cumplido de decir: ‘Creí que era yo en la pantalla’. Eso dice mucho sobre la actuación de Eddie. Pasó la mayor prueba”, ha resaltado Marsh. Mientras, Felicity Jones ha sido la elegida para interpretar al primer amor de Hawking.
Ni que decir tiene que ‘La Teoría del Todo’, que parte del libro de memorias ‘Travelling to Infinity: My Life with Stephen’, de Jane Hawking, es una de las grandes películas del último año. La cosecha de premios arrancó con fuerza en los Globos de Oro, con dos galardones para Eddie Redmayne como Mejor Actor Dramático y Jóhann Jóhannsson como Mejor Banda Sonora. El biopic de Stephen Hawking es candidato a cinco Oscar: Mejor Película, Actor (Eddie Redmayne), Actriz (Felicity Jones), Guion Adaptado (Anthony McCarten) y Banda Sonora (Jóhann Jóhannsson).
FICHA TÉCNICA DE ‘LA TEORÍA DEL TODO’:
Título original: ‘The Theory of Everything’. Dirección: James Marsh. País: Reino Unido. Año: 2014. Duración: 123 minutos. Género: Biopic. Reparto: Eddie Redmayne (Stephen Hawking), Felicity Jones (Jane Hawking), Charlie Cox (Jonathan Hellyer Jones), Emily Watson (Beryl Wilde), Simon McBurney (Frank Hawking), Maxine Peake (Elaine Mason), David Thewlis (Dennis Sciama), Guy Oliver-Watts (George Wilde), Abigail Cruttenden (Isobel Hawking) y Alisha Heng (Philippa Hawking). Guion: Anthony McCarten, basado en el libro ‘Travelling to Infinity: My Life with Stephen’, de Jane Hawking. Producción ejecutiva: Amelia Granger, Liza Chasin y David Kosse. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce y Anthony McCarten. Coproducción: Richard Hewitt. Fotografía: Benoît Delhomme. Música: Jóhann Jóhannsson. Montaje: Jinx Godfrey. Diseño de producción: John Paul Kelly. Vestuario: Steven Noble. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.
Simplemente, Julianne Moore. La historia del cine se podría escribir con el color pelirrojo del pelo de Maureen O’Hara, Susan Hayward, Katharine Hepburn, Rita Hayworth, Shirley MacLaine, Sissy Spacek, Rene Russo, Isabelle Huppert, Amy Adams, Jessica Chastain y Julianne Moore, la pelirroja de las pelirrojas desde hace más de dos décadas. Moore, cumplidos ya los 54 años, vive una espléndida madurez física y artística tal y como demuestra en ‘Siempre Alice’, la película con la que, por fin, podría ganar el Oscar tras cuatro nominaciones por ‘Boogie Nights’ (Paul Thomas Anderson, 1997), ‘El Fin del Romance’ (Neil Jordan, 1999), ‘Las Horas’ (Stephen Daldry, 2002) y ‘Lejos del Cielo’ (Todd Haynes, 2002). Es la gran favorita. De momento, ya ha obtenido el Globo de Oro a la Mejor Actriz Dramática.
El papel de Moore en ‘Siempre Alice’, dirigida por Richard Glatzer y Wash Westmoreland y basada en el bestseller ‘Still Alice’ de Lisa Genova, cumple todos los requisitos para gustar a los académicos de Hollywood: intenso, perfectamente interpretado, sentimental y con un fuerte rol de superación. Interpreta a una profesora de Lingüística en la Universidad de Columbia (Nueva York) que se enfrenta a los primeros síntomas de una enfermedad tan desoladora y tristemente actual como el Alzheimer. “Nos enamoramos del personaje central (del libro). Había algo realmente estimulante en Alice, en su tenacidad, su obstinación, su decisión de no rendirse. Fueran cuales fueran los estragos de la enfermedad, estaba decidida a hacerles frente de la forma más práctica. No sé exactamente en qué capítulo ocurrió, pero la melena morena de la Alice del libro empezó a adquirir un fuerte tono pelirrojo. ‘¿Quién crees que podría ser?’, le pregunté a Richard. ‘Julianne Moore’, tecleó”, subraya Wash Westmoreland sobre la elección de la protagonista de ‘Siempre Alice’. Moore aceptó.
Richard Glatzer y Wash Westmoreland, pareja en la vida real, cuentan con una vinculación personal con la película ya que Glatzer está diagnosticado con ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica), una enfermedad con un desarrollo antagónico al Alzheimer aunque ambas tienen similitudes: “las dos son terminales, incurables y acaban aislando al paciente del mundo que le rodea. Y peor aún, ambas minan el sentido de identidad, por lo que es de vital importancia agarrarse a sí mismo”, describe Westmoreland. Nadie mejor que la pelirroja Julianne Moore para mostrar el Alzheimer desde el punto de vista de una prematura paciente en sus primeros pasos. Moore está acompañada por Alec Baldwin, su marido en ‘Siempre Alice’, y una cada vez mejor Kristen Stewart (la saga ‘Crepúsculo’ ha quedado en el pasado), una de sus hijos.
FICHA TÉCNICA DE ‘SIEMPRE ALICE’:
Título original: ‘Still Alice’. Dirección: Richard Glatzer y Wash Westmoreland. País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Reparto: Julianne Moore (Alice Howland), Kristen Stewart (Lydia Howland), Alec Baldwin (John Howland), Kate Bosworth (Anna Howland-Jones), Hunter Parrish (Tom Howland), Shane McRae (Charlie Rowland) y Stephen Kunken (Dr. Benjamin). Guion: Richard Glatzer y Wash Westmoreland, basado en la novela ‘Still Alice’ de Lisa Genova. Producción ejecutiva: Marie Savare de Laitre, Christine Vachon y Maria Shriver, Emilie Georges, Nicholas Shumaker, Celine Rattray y Trudie Styller. Producción: James Brown, Pamela Koffler, Lex Lutzus. Coproducción: Elizabeth Gelfand Stearns y Declan Baldwin. Fotografía: Denis Lenoir. Música: Ilan Eshkeri. Montaje: Nicolas Chaudeurge. Diseño de producción: Tomasso Ortino. Vestuario: Stacey Battat. Distribuidora: Golem.
Todo termina aquí. Liam Neeson, que abandonó hace ya mucho tiempo sus excelentes comienzos en el drama por el cine de acción, despide con ‘V3enganza’ (‘Taken 3’) en la cartelera española a uno de sus personajes más conocidos y expeditivos: el exagente de la CIA Bryan Mills. La saga ‘Taken’, obra de Luc Besson en su papel de productor, comenzó con ‘Venganza’ (‘Taken’) (Pierre Morel, 2008) (226,8 millones de dólares en la taquilla mundial), prosiguió con ‘Venganza 2: Conexión Estambul’ (‘Taken 2’) (Olivier Megaton, 2012) (376,1 millones) y concluye, a priori, con ‘V3enganza’ (‘Taken 3’) (Oliver Megaton, 2014). ‘V3enganza’ se estrenó en el pasado fin de semana como número uno en Estados Unidos (39,2 millones). Liam Neeson ha convencido al público como héroe de acción.
El exagente Bryan Mills desconoce la palabra tranquilidad. En ‘Venganza’, tenía que enfrentarse en París a una banda de trata de blancas de nacionalidad albano-kosovar que había secuestrado a su hija. Primer éxito. Pero, ni de vacaciones puede descansar porque en la primera secuela, ‘Venganza 2: Conexión Estambul’ (‘Taken 2’), protegía a su mujer e hija del ánimo de revancha del padre de uno de los secuestradores en ‘Taken’. Segundo éxito. Más sufrimiento espera al exagente de la CIA en ‘V3enganza’ (‘Taken 3’) que arranca con el brutal asesinato de su ahora exmujer, que ha sido interpretada en la saga por la holandesa Fanke Janssen. Buscará a los culpables mientras protege, de nuevo, a su hija y se esconde, además, de la CIA, el FBI y la Policía que le consideran el autor del asesinato.
Liam Neeson está acompañado por tercera vez por Maggie Grace como su hija Kim. Otros nombres importantes del reparto son Forest Whitaker, Dougray Scott y Sam Spruell. A pesar de que la saga está, en principio, finiquitada, Neeson ha dejado en los últimos días una puerta abierta: “No creo que la historia pueda desarrollarse más para satisfacer a su público, pero nunca se sabe (…). Vamos a ver dónde llega la tercera película”, ha señalado un enigmático Neeson sobre el posible reinicio de una saga europea que, gracias a su seca acción, ha triunfado en Europa y en América.
FICHA TÉCNICA DE ‘V3NGANZA’:
Título original: ‘Taken 3’. Dirección: Olivier Megaton. País: Francia. Año: 2014. Duración: 109 minutos. Género: Acción. Reparto: Liam Neeson (Bryan Mills), Forest Whitaker (Inspector Franck Dotzler), Maggie Grace (Kim Mills), Famke Janssen (Lenore St. John), Dougray Scott (Stuart St. John), Sam Spruell (Oleg Malankov) y Leland Orser (Sam). Guion: Luc Besson y Robert Mark Kamen. Producción: Luc Besson. Fotografía: Eric Kress. Música: Nathaniel Méchaly. Montaje: Audrey Simonaud y Nicolas Trembasiewicz. Diseño de producción: Sébastien Inizan. Vestuario: Olivier Bériot. Distribuidora: Twentieth Century Fox España.
Damien Chazelle, a punto de cumplir treinta años, disfruta del unánime reconocimiento de la crítica a su segundo largometraje: ‘Whiplash’, Mejor Película y Premio del Público en el Festival de Sundance 2014. Pero no solo ha seducido a la crítica más cinéfila, la lista de premios y nominaciones para ‘Whiplash’ es inagotable. En España, obtuvo el Premio al Mejor Director Novel en la Seminci. Hace una semana, J.K. Simmons levantaba el Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su papel del muy exigente profesor de música Terence Fletcher. Simmons aspira también al Oscar. La cinta de Chazelle, toda una revelación en la temporada de premios, ha logrado cuatro nominaciones más: Mejor Película, Guion Adaptado, Montaje y Edición de Sonido.
‘Whiplash’, que se exhibió en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, ofrece buen cine y mejor música. Un terreno que conoce personalmente Damien Chazelle. Antes de optar por el cine, Chazelle probó con la música, en concreto el jazz. Tenía motivos fundados. Chazelle es un notable músico. Ganó un concurso de jazz, como Mejor Percusionista, en los colegios de Secundaria de Estados Unidos y el Premio al Mejor Solista de Sección Rítmica del Festival de Jazz de Dunellen. ‘Whiplash’, por tanto, cuenta con una sólida base personal. Chazelle ha recordado que el principal sentimiento que tenía en una orquesta de jazz en el instituto era “miedo. Miedo de perder el ritmo. Miedo de perder el tempo. De forma más abrumadora, miedo de mi director de orquesta”.
Esa experiencia personal se percibe en ‘Whiplash’. Un joven batería de jazz de diecinueve años (Andrew Neiman) sueña con alcanzar la fama en un elitista conservatorio de música. A su cargo, un inflexible profesor (J.K. Simmons), con un enorme talento y, al mismo tiempo, unos métodos de aprendizaje durísimos. Chazelle vuelve a explorar el miedo que sintió como músico en su adolescencia. “Con ‘Whiplash’, quise hacer una película acerca de la música con el sabor de las películas de guerras o de gánsteres, donde los instrumentos reemplazan a las armas, donde las palabras son tan violentas como las pistolas y donde la acción se despliega no en una batalla, sino en un aula de ensayo de un colegio o en el escenario de un concierto”.
FICHA TÉCNICA DE ‘WHIPLASH’:
Dirección y guion: Damien Chazelle. País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Reparto: Miles Teller (Andrew Neiman), J. K. Simmons (Terence Fletcher), Paul Reiser (Mr. Neiman), Melissa Benoist (Nicole), Austin Stowell (Ryan), Jayson Blair (Travis) y Kavita Patil (Sophie). Producción ejecutiva: Jeanette Brill, Jason Reitman, Couper Samuelson y Gary Michael Walters. Producción: Jason Blum, Helen Estabrook, Michel Litvak y David Lancaster. Fotografía: Sharone Meir. Música: Justin Hurwitz. Montaje: Tom Cross. Diseño de producción: Melanie Jones. Vestuario: Lisa Norcia. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.
Jim Mickle hace doblete en la cartelera española. Tras estrenar hace apenas un par de semanas el thriller ‘Frío en Julio’, ofrece una propuesta más reconocible: ‘Somos lo que Somos’, una producción de terror muy al estilo de Mickle con un claro gusto por la sangre y, por encima de todo, el canibalismo. Los Parker, que acaban de perder a la matriarca del clan, no son una familia corriente del Estado de Nueva York. La dieta de los Parker es rica en carne, aunque no de la que encontramos en las carnicerías. Los Parker comen carne humana, un estilo de vida para el padre de familia (Frank) que obliga a perpetuar a sus dos adolescentes hijas mayores, Rose e Iris, que tienen también un hermano pequeño, Rory.
‘Somos lo que Somos’ (‘We are What we are’) nace como un remake de ‘Somos lo que Hay’ (2010), del director mexicano Jorge Michel Grau. Mickle se ha convertido en los últimos años en un habitual de Festival de Cine Fantástico de Sitges, donde se han proyectado sus cuatro películas: ‘Mulberry Street’ (2006), ‘Vampiros del Hampa (Stake Land)’ (2010), ‘Somos lo que Somos’ (2013) y ‘Frío en Julio’ (2014). El director norteamericano, que también presentó ‘Somos lo que Somos’ en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, ha conectado con un público reducido, pero especialmente fiel a sus gustos cinematográficos y ‘culinarios’.
“Desde luego, se me habían acabado las formas de mostrar a gente comiéndose a otra gente. Ahora quería cultivar la tensión partiendo de elementos más cotidianos, contar otra clase de historia”, ironizó Mickle en el pasado mes de octubre en Sitges para justificar su cambio de registro en ‘Frío en Julio’. ‘Somos lo que Somos’ es, de momento, su última transgresora aportación al canibalismo cinematográfico. Mickle se vale de un reparto semidesconocido con Bill Sage, visto en ‘American Psycho’ (Mary Harron, 2000), como el patriarca de los Parker y las jóvenes Julia Garner, con un pequeño papel en ‘Sin City: Una Dama por la que Matar’ (Robert Rodríguez y Frank Miller, 2014) y Ambyr Childers, con un papel secundario en ‘The Master’ (Paul Thomas Anderson, 2012), como sus antropófagas hijas.
FICHA TÉCNICA DE ‘SOMOS LO QUE SOMOS’:
Título original: ‘We are What we are’. Dirección: Jim Mickle. País: Estados Unidos. Año: 2013. Duración: 106 minutos. Género: Terror. Reparto: Bill Sage (Frank Parker), Julia Garner (Rose Parker), Ambyr Childers (Iris Parker), Kelly McGillis (Marge), Odeya Rush (Alyce Parker), Michael Parks (Doc Barrow) y Nick Damici (Sheriff Meeks). Guion: Jim Mickle y Nick Damici, basado en el guion de Jorge Michel Grau para la película ‘Somos lo que Hay’ (2010). Producción ejecutiva: Rene Bastian, Brett Fitzgerald, Emilie Georges, Tanja Meissner, Mo Noorali y Jacob Pechenik. Producción: Rodrigo Bellott, Andrew Corkin, Linda Moran, Nicholas Shumaker y Jack Turner. Fotografía: Ryan Samul. Música: Jeff Grace, Darren Morris y Phil Mossman. Música: Jim Mickle. Diseño de producción: Russell Barnes. Vestuario: Elisabeth Vastola. Distribuidora: La Aventura Audiovisual.
¿Qué te hace ser feliz? El director británico Peter Chelsom presenta su noveno largometraje: la comedia ‘Héctor y el Secreto de la Felicidad’. Chelsom ha firmado, hasta ahora, una curiosa carrera con títulos muy diferentes. Su última producción significó un antes y un después en la vida de la otrora estrella infantil Miley Cyrus que se despedía de su papel de chica buena en ‘Hannah Montana: La Película’ (2009). Pero Chelsom ha realizado otros proyectos mucho más interesantes como ‘Un Mundo a su Medida’ (1998), que valió una nominación a los Globos de Oro a Sharon Stone; ‘Enredos de Sociedad’ (2001), con Warren Beatty, Diane Keaton y Andie MacDowell; ‘Serendipity’ (2001), con John Cusack y Kate Beckinsale; y, sin duda, su mayor éxito comercial: la comedia musical ‘Shall We Dance? (¿Bailamos?)’ (2004), con Richard Gere, Jennifer López y Susan Sarandon. ‘¿Bailamos?’ llevó a más de un millón de españoles al cine y rinde siempre muy bien en sus frecuentes pases por la televisión.
Chelsom regresa al Reino Unido, dos décadas después de marcharse a hacer las Américas, con la comedia ‘Héctor y el Secreto de la Felicidad’, que no anda, para nada, corta de calidad y diversidad geográfica en el reparto: los británicos Simon Pegg y Rosamund Pike, la australiana Toni Collette, el canadiense Christopher Plummer, el francés Jean Reno y el sueco Stellan Skarsgård. Héctor (Simon Pegg) es un joven psiquiatra que atiende una consulta frecuentada por la clientela más selecta de Londres. Aunque la mayor parte de sus pacientes lleva una vida aparentemente perfecta, todos están insatisfechos. Héctor no consigue que sean felices, eso le deprime y se propone averiguar qué es lo que hace feliz a la gente. Para ello, emprende un viaje por todo el mundo para buscar el verdadero secreto de la felicidad.
‘Héctor y el Secreto de la Felicidad’ adapta el libro ‘Le Voyage d’Hector ou la Recherche de Bonheur’ del psiquiatra francés François Lelord, un manual de autoayuda que ha arrasado en las librerías francesas y, aún más, alemanas. “La felicidad es una elección. Depende de ti. Tenemos la obligación de ser felices. Creo que es el mensaje principal de la película. Como comenta el profesor Coreman (Stellan Skarsgård), quizás deberíamos centrarnos no tanto en la búsqueda de la felicidad como en la felicidad de buscarla”, analiza Peter Chelsom. A fin de cuentas, se trata de saber qué es lo que te hace ser feliz.
FICHA TÉCNICA DE ‘HÉCTOR Y EL SECRETO DE LA FELICIDAD’:
Título original: ‘Hector and the Search for Hapiness’. Dirección: Peter Chelsom. Países: Reino Unido, Alemania y Canadá. Año: 2014. Duración: 120 minutos. Género: Comedia. Reparto: Simon Pegg (Héctor), Rosamund Pike (Clara), Toni Collette (Agnes), Christopher Plummer (Profesor Coreman), Jean Reno (Diego) y Stellan Skarsgård (Edward). Guion: Maria Von Heland, Peter Chelsom y Tinker Lindsay, basado en el libro de autoayuda ‘Le Voyage d’Hector ou la Recherche de Bonheur’ de François Lelord. Producción ejecutiva: Christian Angermayer, Kim Arnott, Klemens Hallmann, Marc Hansell, Phil Hope, Jens Meurer, Elliot Ross y Fenella Ross. Producción: Klaus Dohle, Trish Dolman, Dylan Mohan Gray, Rumana Gray, Christine Haebler, Phil Hunt, Compton Ross y Judy Tossell. Fotografía: Kolja Brandt. Montaje: Klaus Wehlisch. Diseño de producción: Michael Diner. Vestuario: Guy Speranza. Distribuidora: Festival Films.
Más cine de terror, esta vez con sello australiano: ‘Babadook’, dirigida por la actriz Jennifer Kent. ‘Babadook’ representa la ópera prima de Kent. La actriz australiana, cuya primera experiencia en la dirección fue como asistente de Lars von Trier en ‘Dogville’ (2003), se inspira en un cortometraje previo, ‘Monster’ (2005), de la misma autora, con un niño atemorizado por uno de los grandes terrores infantiles: un monstruo en el armario. ‘Babadook’ se estrenó en el pasado Festival de Sundance con muy buenas críticas y obtuvo el Premio Especial del Jurado en la última edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. La cinta consiguió distribución en potentes mercados como Australia, Reino Unido, Francia y, ahora, España.
Seis años después de la violenta muerte de su marido, Amelia (Essie Davis) continúa perdida intentando educar a Samuel (Noah Wiseman), su hijo de seis años, que vive aterrorizado por un monstruo que se le aparece en sueños y amenaza con matarlos. Cuando un inquietante libro de cuentos llamado ‘El Babadook’ aparece en su casa, Samuel se muestra convencido de que ‘El Babadook’ es la criatura sobre la que ha estado soñando. Cuando sus alucinaciones entran en una espiral fuera de control, se vuelve impredecible y violento. Amelia, muy asustada por el comportamiento de su hijo, se ve forzada a medicarle. Pero cuando comienza a vislumbrar una presencia siniestra a su alrededor, poco a poco se da cuenta de que aquello sobre lo que Samuel la ha estado advirtiendo puede ser real.
‘Babadook’ ha sido una agradable sorpresa. Acumula seis candidaturas para los próximos premios de la Academia de Cine de Australia, que se entregarán a finales de enero: Mejor Película, Dirección (la novata Jennifer Kent), Guion Original (escrito también por Jennifer Kent), Actriz (Essie Davis), Montaje (Simon Njoo) y Diseño de Producción (Alex Holmes). Jennifer Kent anunció a finales del pasado año que publicará en 2015 una edición limitada del libro de cuentos ‘El Babadook’, gran protagonista del filme. Kent cuenta con la colaboración del ilustrador Alex Juhasz, diseñador del libro tal y como aparece en la película.
FICHA TÉCNICA DE ‘BABADOOK’:
Título original: ‘The Babadook’. Dirección: Jennifer Kent. País: Australia. Año: 2014. Duración: 94 minutos. Género: Terror. Reparto: Essie Davis (Amelia), Noah Wiseman (Samuel), Daniel Henshall (Robbie), Hayley McElhinney (Claire), Barbara West (Mrs. Roach), Benjamin Winspear (Oskar) y Cathy Adamek (Prue). Guion: Jennifer Kent, basado en el cortometraje ‘Monster’ (2005), de Jennifer Kent. Producción ejecutiva: Jan Chapman, Jeff Harrison, Jonathan Page y Michael Tear. Producción: Kristina Ceyton y Kristian Moliere. Fotografía: Radoslaw Ladczuk. Música: Jed Kurzel. Montaje: Simon Njoo. Diseño de producción: Alex Holmes. Vestuario: Heather Wallace. Distribuidora: eOne Films Spain.
El mundo cabe en un barrio. ¿Exageración? No. Lavapiés, el popular y céntrico barrio madrileño (a poco más de un cuarto de hora andando de la Puerta del Sol) que debe su nombre a una fuente de una antigua judería, es la mejor demostración. Lavapiés es una de las zonas más singulares, con mayor personalidad, de Madrid. Sus estrechas calles, de entre seis y doce metros, son tan famosas como los bancos de su plaza y su fuerte carácter multicultural en el propio corazón de la capital de España. Con unos 40.000 habitantes, Lavapiés cuenta con el mayor porcentaje de población extranjera de Madrid, casi un tercio del barrio, con una nutrida comunidad latina (ecuatorianos, bolivianos, colombianos, dominicanos, peruanos, paraguayos y brasileños, principalmente), pero también con más de un millar de ciudadanos chinos y marroquíes. Lavapiés es la ONU de España.
Un escenario de película. “Buscábamos un reflejo de la realidad, pero con un apunte de emoción y de esperanza: una comedia dramática y costumbrista sobre el día a día de un barrio madrileño donde pasa de todo: Lavapiés”, resume el sevillano Ramón Luque, director de ‘Historias de Lavapiés’. “Es una película de vivencias, personales y en comunidad, sostenida por un soterrado humor y también sobre la acción y el misterio”, añade Luque. Rodada inevitablemente en Lavapiés y otras localizaciones de Madrid en abril del año 2013, surge como una iniciativa de la Asociación Lavapiés Producciones que se dedica, sin ánimo de lucro, a actividades culturales enfocadas al cine.
Ramón Luque ha conseguido también la implicación directa del actor madrileño Guillermo ‘Willy’ Toledo, venerado y vilipendiado con intensidad a partes iguales por su fuerte compromiso social y su nulo interés por contentar a todo el mundo (como si fuera algo necesario). Toledo interpreta a un profesor de origen acomodado que regresa a Lavapiés tras un forzado año sabático, sancionado tras soltar un puñetazo al padre maltratador de un alumno. Le acompaña un retrato coral (Sandra Collantes, Rafael Reaño, Lida Fernanda Cardona Díaz, Claudia Coelho, Lisi Linder, Enrique Asenjo, Rut Santamaría, Eduardo Velasco y Ramón García del Pomar) que cierra la actriz sevillana Ana Fernández (‘Solas’) con un pequeño papel. ‘Historias de Lavapiés’ “es una película de denuncia social, pero no panfletaria. Quiero que sea una ventana abierta a la esperanza”, definió Ramón Luque en el pasado Festival de Málaga de Cine Español, donde se estrenó el filme. Después de todo, el mundo sí cabe en un solo barrio. Está en España, en Madrid y se llama Lavapiés.
FICHA TÉCNICA DE ‘HISTORIAS DE LAVAPIÉS’:
Dirección y guion: Ramón Luque. País: España. Año: 2013. Duración: 80 minutos. Género: Comedia dramática. Reparto: Guillermo ‘Willy’ Toledo (Ernesto), Sandra Collantes (Amanda), Rafael Reaño (Juan), Lida Fernanda Cardona Díaz (Mariela), Claudia Coelho (Sara), Lisi Linder (Joana), Enrique Asenjo (Alberto), Rut Santamaría (Ana), Eduardo Velasco (Garrote), Ramón García del Pomar (Vagabundo) y Ana Fernández (Mónica). Producción ejecutiva: Txabi Rodríguez. Productores asociados: Iván Sánchez Alonso, Ramón Luque, Antonio Meliveo y Ana Torres. Producción: Montserrat Santalla Gasco. Dirección de producción: Tania González Gallego y Víctor Gómez Ródenas. Fotografía: Iván Sánchez Alonso. Música: Antonio Meliveo. Montaje: Tania González Gallego y Víctor Gómez Ródenas. Vestuario: Charo J Grueso. Distribuidora: Proyecto Manhattan.