Más presencia española en la cartelera: ‘Fuego’ y ‘Rastros de Sándalo’. Cine de autor: ‘The Zero Theorem’ (Terry Gilliam), ‘Trash, Ladrones de Esperanza’ (Stephen Daldry) y ‘Adiós al Lenguaje’ (Jean-Luc Godard).
Cartelera animada con dos estrenos destacados ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’ (Javier Fesser) y ‘Los Pingüinos de Madagascar’ (Simon J. Smith), spin-off de la saga ‘Madagascar’ (2005-2012). El triplete español se completa con ‘Fuego’ (Luis Marías) y ‘Rastros de Sándalo’ (María Ripoll). Novedades con sello de cine de autor: Terry Gilliam, homenajeado en el actual Festival de Gijón, estrena ‘The Zero Theorem’; Stephen Daldry se cuela en las favelas de Río de Janeiro en ‘Trash, Ladrones de Esperanza’; y Jean-Luc Godard experimenta en ‘Adiós al Lenguaje’. Los estrenos de la semana incluyen también ‘Lecciones de Amor’ (Fred Schepisi), ‘París-Manhattan’ (Sophie Lellouche) y ‘Amour Fou’ (Jessica Hausner).
‘Mortadelo y Filemón, Agencia de Información’. “En aquella época se estilaban las rimas y los pareados”, se justifica el padre de la criatura: Francisco Ibáñez (Barcelona, 1936). El tebeo español por excelencia, no todo van a ser los comics de superhéroes estadounidenses y los mangas de acción japoneses. ‘Mortadelo y Filemón, Agencia de Información’ se publicó por primera vez el 20 de enero de 1958 en el número 1.394 de la mítica revista Pulgarcito (pregunten a los niños de la época).
Comenzó como una parodia de Sherlock Holmes y el Doctor Watson y lleva más de medio siglo haciendo reír a los niños españoles. Y no solo españoles. Las patosas aventuras (ni el Pequeño Nicolás) de los dos agentes ‘mejor preparados’ de la T.I.A. (Técnicos de Investigación Aeroterráquea) se han traducido a una decena de idiomas. En total, más de 150 millones de ejemplares vendidos de un tebeo que sigue activo y que este viernes volverá a un terreno conocido: el cine, pero con un aspecto cien por cien Ibáñez.
‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’ “es realmente espectacular, lo mejor que se ha hecho con mis personajes”, ha destacado Ibáñez sobre el trabajo de Javier Fesser (‘El Milagro de P. Tinto’). Los precedentes eran optimistas. Fesser fue el primero en llevar al cine a los personajes de Ibáñez en ‘La Gran Aventura de Mortadelo y Filemón’ (2003), uno de los mayores éxitos modernos de la producción nacional en la cartelera. Fesser llevó a las salas de cine a casi cinco millones de espectadores (22,8 millones de euros). La película, con unos brillantes efectos especiales para recrear el universo de Ibáñez, ganó cinco Premios Goya: Mejor Dirección de Producción, Mejor Dirección Artística, Mejor Montaje, Mejor Maquillaje y Peluquería y Mejores Efectos Especiales. Mortadelo y Filemón regresaron al cine con nuevo jefe tras las cámaras, Miguel Bardem, en ‘Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra’ (2008), que funcionó algo peor en la taquilla: 7,7 millones de euros.
Pero a Mortadelo y Filemón les faltaba un paso más en el cine: una cinta animada en 3D: “Utilizar la animación por ordenador para llevar al cine las aventuras de Mortadelo y Filemón (un cómic que más de tres generaciones de españoles adoramos y sentimos como propio) es la mejor garantía para poder acercar fielmente la película a la esencia y filosofía del TBO. Con un aspecto nuevo y un diseño moderno, se trata sin embargo de aprovechar las últimas tecnologías CGI de animación, modelado y efectos visuales para reproducir la desbordante capacidad expresiva de los personajes y el universo visual creado por Francisco Ibáñez, tal y como él lo concibió. Tal y como está ya instalado en el subconsciente colectivo. Con ese sabor tan maravillosamente atemporal e internacional que destilan sus historietas”, resume Javier Fesser.
‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’, una producción de Zeta Cinema en asociación con Películas Pendelton, con la participación de TVE, Canal+ y ONO y la distribución de Warner Bros. Pictures España, es el resultado de dos años de trabajo en los estudios Illión de Madrid.
La TIA, la agencia de espionaje y contra inteligencia más inútil del planeta, vuelve a sufrir un nuevo asalto criminal, con burla mofante incluida, de manos del más descerebrado de los malhechores mundiales: Jimmy El Cachondo.
Para recuperar el documento ultra secreto sustraído y escarmentar de una vez por todas a Jimmy y su banda, compuesta por él y dos primos siameses, la TIA se dispone a encargar la misión a sus dos mejores agentes. Pero como de esos no tienen, las circunstancias de la vida hacen que tan importante encargo recaiga en manos de Mortadelo y Filemón. La misión transcurre sin novedad ya que no logran averiguar nada. Además todo se complica ya que Tronchamulas, un presidiario del tamaño de un oso y la fuerza de un tiranosaurio Rex macho adulto cuyo único objetivo en la vida es asesinar a Filemón, se acaba de escapar de la cárcel.
Pero finalmente, cuando todo parece que va a salir mal, termina saliendo fatal. Porque para nuestros dos súper agentes especiales, todo es susceptible de empeorar.
“He hecho esta película con total libertad tanta que, si llego a tener más, habría sido ya libertinaje (…). Dos agentes especiales maestros de la chapuza y el desastre garantizado, un malo malísimo conocido por la TIA que pone en jaque a la organización y, por supuesto, las inestimables decisiones -todas equivocadas- del Súper-Intendente (…). Se trata de una desquiciada aventura que refleja de manera fidedigna el universo hilarante creado por el genial Francisco Ibáñez”, sentenciaba Fesser el pasado sábado en el exitoso preestreno de ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’ en los cines Kinépolis de Madrid con las salas atestadas de niños (y adultos).
Fesser ha introducido algunos cambios en el elenco de actores, voces en este caso, con respecto a las dos anteriores películas ‘humanas’ sobre Mortadelo y Filemón. La variación más destacada afecta, de nuevo, a Mortadelo. Karra Elejalde ha sido el elegido. Cambia también Filemón. Janfri Topera, el profesor Bacterio en las versiones cinematográficas, pone la voz a Filemón. Sí repiten Mariano Venancio como El Súper y Berta Ojeda como Ofelia. Completan el reparto Gabriel Chame (Jimmy), Víctor Monigote (Tronchamulas), Enrique Villén (Profesor Bacterio) y Emilio Gavira (Rompetechos).
‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’ “se trata de una historia urbana, doméstica, con claras referencias a la actualidad, cien por cien Mortadelo y Filemón, cien por cien fiel a la obra de Francisco Ibáñez. Es una comedia de acción, de ritmo trepidante para imitar al maestro, que decidió hace más de cincuenta años no dar tregua a sus lectores acribillándoles con abrumadores gags visuales a cada cual más ocurrente. Una película divertida, ingeniosa y espectacular. Familiar donde las haya. Y todo esto a todo color y en ochenta y cinco estereoscópicos minutos”, concluye Fesser.
FICHA TÉCNICA DE ‘MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO’ (3D):
Dirección: Javier Fesser. País: España. Año: 2014. Duración: 90 minutos. Género: Animación. Reparto (voces): Karra Elejalde (Mortadelo), Janfri Topera (Filemón), Mariano Venancio (Súper), Berta Ojeda (Ofelia), Gabriel Chame (Jimmy), Víctor Monigote (Tronchamulas reversizado), Enrique Villén (Profesor Bacterio) y Emilio Gavira (Rompetechos). Guion: Javier Fesser, Cristóbal Ruiz y Claro García, sobre los personajes de Francisco Ibáñez. Producción ejecutiva: Eneko Gutiérrez (productor delegado), José San Román (productor asociado), Ignacio Pérez Dolset (productor asociado) y Julián Larrauri (productor gerente). Producción: Luis Manso y Francisco Ramos. Fotografía: Miguel Pablos. Música: Rafael Arnau. Diseño de producción: Ferrán Piquer. Distribuidora: Warner Bros. Pictures España.
‘Fuego’, producción de Tornasol Films, Historias del Tío Luis, Fausto Producciones y Euskadi Movie AIE con la participación de Euskal Telebista y la Televisió de Catalunya y con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales, del Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco y del Ayuntamiento de Bilbao, “es la primera película que aborda el futuro de la convivencia en el País Vasco”, define el director bilbaíno Luis Marías. ‘Fuego’, que se estrenó el pasado sábado en el Festival de Gijón, cuenta con la aprobación y “hasta el entusiasmo” de la Secretaría de Paz y Convivencia del Gobierno Vasco que ha valorado la película “como muy útil para la convivencia futura ahora que el terrorismo de ETA parece que, afortunadamente, ha llegado a su fin”, ha subrayado Marías.
José Coronado interpreta al duodécimo policía de su carrera. Un coche bomba acaba con la vida de su mujer y causa gravísimas heridas a su hija de diez años que pierde ambas piernas. Han pasado once años. Carlos (José Coronado) ha cambiado de ciudad (vive en Barcelona) y de trabajo (se ha pasado a la seguridad privada). Pero el dolor sigue intacto. Y no solo el dolor, también el odio y un fuerte deseo de venganza sobre la familia del etarra que cambió para siempre su vida. Coronado está acompañado por Aida Folch (su hija en ‘Fuego’), Leyre Berrocal (la esposa del etarra) y Gorka Zufiaurre (el hijo con Síndrome de Down del terrorista).
“La venganza es el punto de partida, pero habla sobre las consecuencias que tiene un acto violento (…). El fuego empieza con una llama que prende y no la puedes dirigir, no la puedes controlar y se puede volver perfectamente contra ti, contra tu entorno, tus familiares… Esa es un poco la idea de la película, no trata sobre la venganza, sino sobre las consecuencias del odio”, resume Marías en una entrevista en la web del Festival de Gijón.
“Carlos (Coronado) piensa que su asesino está en la cárcel y, por tanto, su mujer será una bruja odiosa y su hijo tendrá cuernos y rabo, pero se encuentra con gente que, de manera muy diferente, también ha sufrido las consecuencias de aquel atentado. El espectador puede entender fácilmente que debe ser muy duro ser la mujer de alguien que ha matado a ocho personas y el hijo, con síndrome de Down, que no sabe lo que ha hecho su padre y lo descubre (…). En Carlos, hay dos personas, una que quiere venganza y otra que quiere curarse, que no quiere hacer daño. El interés de la película está en mostrar esas dos caras: esos dos Carlos y el pulso que mantienen”, apunta el director de ‘Fuego’, rodada en los pasados meses de marzo y abril en localizaciones de Bilbao, Lekeitio, Bermeo, Gatika y Gorlitz.
‘Fuego’ es una producción “arriesgada, una película dura pero que, por suerte, hoy podemos contar intentando no herir susceptibilidades”, agradece Coronado. ‘Fuego’ supone una nueva oportunidad para que el actor madrileño demuestre sus dotes como ‘duro’ policía y, además, una aproximación al conflicto vasco, algo que no es inédito en su carrera. En ‘Todos Estamos Invitados’ (2007), de Manuel Gutiérrez Aragón, Coronado interpretó a un profesor universitario (Xabier Legazpi) amenazado por ETA. Combatió a la banda terrorista en ‘El Lobo’ (Miguel Courtois, 2004) y ‘GAL’ (Miguel Courtois, 2006).
En ‘Fuego’, explora otra perspectiva más actual del conflicto: el reto de la convivencia, la reparación de las heridas. “Es una película que te toca y te afecta. Espero que haga reflexionar a todo el mundo, a mí me ha hecho mejor y más tolerante”. Para Coronado, la violencia en Euskadi ha dejado “muchas heridas abiertas”, aunque “se está empezando a superar el problema con tolerancia”. El dilema que se le presenta a su personaje, plasmar ese odio en una venganza hacia la familia del causante de su dolor, no es muy distinto del que pasa o ha pasado por la cabeza de muchas víctimas del terrorismo. Es momento, no obstante, de tender puentes hacia la convivencia.
‘Fuego’ “habla de las consecuencias de la violencia y del odio. Y del dolor que provocan. Ambos son como el fuego, virulentos, destructivos e imposibles de controlar. Afectan sobre todo a quien sufre esa violencia, también a sus seres queridos. Pero también a quienes ejercen esa violencia y a los suyos. Todo lo que toca el odio, arde. Como el fuego”, argumenta Luis Marías.
FICHA TÉCNICA DE ‘FUEGO’:
Dirección y guion: Luis Marías. País: España. Año: 2014. Duración: 103 minutos. Género: Thriller. Reparto: José Coronado (Carlos), Aida Folch (Alba), Leyre Berrocal (Oihana), Montse Mostaza (Marina), Jaime Adalid (Mariusz) y Gorka Zufiaurre (Aritz). Producción ejecutiva: Eduardo Carneros. Producción: Gerardo Herrero, Javier López Blanco, Luis Marías y Ramón Vidal. Fotografía: Pau Monràs. Música: Aritz Villodas. Montaje: Ainara López Bermejo. Director artística: Guillermo Llaguno. Vestuario: Azegiñe Urigoitia. Distribuidora: Syldavia Cinema.
“Nací cerca de Nasik, a orillas del Godavari, en la India y viví entre Nasik y Bombay los primeros seis años de mi vida hasta que en 1974 fui adoptada y me convertí en una ciudadana más de Barcelona”.
Así comienza la biografía de Asha Miró. Su historia es especialmente conocida en Cataluña pero también en el conjunto de España. La fama de Miró se sustenta en dos autobiográficos libros con un notable éxito editorial: ‘La Hija del Ganges’ (2003) y ‘Las Dos Caras de la Luna’ (2003) que, en apenas dos años, sumaron 200.000 copias vendidas entre sus ediciones en catalán (Editorial La Magrana) y español (Editorial Lumen). La obra de Asha Miró incluye numerosos libros infantiles y obras sobre la cultura india. No obstante, el salto de Asha Miró de la literatura al cine llega este viernes a la cartelera española con la obra de ficción ‘Rastres de Sándal’ (‘Rastros de Sándalo’) (2007) (Editorial Planeta), escrita junto con Anna Soler-Pont. Si bien, el libro contiene, inevitablemente, aspectos biográficos. ‘Rastres de Sándal’ relata tres historias:
-Solomon, un niño etíope de ocho años y sin padres inspirado en las vivencias de Abera Kumbi. Como otros casi 10.000 niños etíopes huérfanos de la guerra entre Etiopía y Somalia a finales de la década de los setenta, Kumbi estuvo refugiado en Cuba gracias al Gobierno de Fidel Castro.
-Muna es una niña huérfana de once años, separada a la fuerza de su hermana pequeña, que teje alfombras en Mumbai. La historia de Muna se inspira en muchas niñas indias pero, especialmente, en Asha Meherkhamb y Saku Jagtap, las hermanas biológicas de Asha Miró.
-Sita, con detalles de la infancia de Asha Miró en orfanatos de monjas católicas de la India antes de ser adoptada. Sita es una niña de seis años que sueña con tener unos nuevos padres.
“Cuando ‘Rastros de Sándalo’ se publicó por primera vez como novela en 2007 ya había empezado el experimento de escribir un guion. Primero, adaptando el libro entero. Al ser un proyecto demasiado ambicioso, que implicaba rodar en Etiopía, Cuba, India y Barcelona, hice caso de los consejos de productores expertos y reescribí el guión desarrollando solo una de las tramas de la novela: la de las dos hermanas indias, separadas a la fuerza y reunidas casi treinta años después. Lo que más me interesó fue pensar en la búsqueda de la propia identidad y abordar una de las preguntas más frecuentes del mundo: ‘¿Quién soy yo realmente?’”, explica Anna Soler-Pont, guionista y productora ejecutiva de la homónima adaptación cinematográfica de ‘Rastros de Sándalo’ (Pontas Films), rodada en catalán e inglés y doblada al castellano.
Mina (Nandita Das), una actriz india de éxito en Mumbai, no puede olvidar a su hermana pequeña Sita, de quien fue separada a la fuerza después de la muerte de su madre. Treinta años después, Mina se entera de que Sita está bien y vive en Barcelona. Ahora se llama Paula (Aina Clotet), es bióloga y no tiene ningún recuerdo de su pasado. Paula emprenderá el viaje de descubrimiento de su verdadera identidad con la ayuda de Prakash (Naby Dakhli), un atractivo inmigrante indio que vende películas de Bollywood en el barrio barcelonés del Raval.
Anna Soler-Pont recurrió a María Ripoll, una de las caras más conocidas del mundo de la publicidad en España y directora de ‘Tortilla Soup’ (2001), ‘Utopía’ (2003), ‘Mi Vida en 65’ (2006) y ‘Lluvia en los Zapatos’ (1996), su ópera prima, que obtuvo el Premio del Público en el Festival de Sitges y en el Festival de Seattle y fue nominada al Goya como Mejor Dirección Novel. ‘Rastros de Sándalo’ “propone un viaje emocional de ida y vuelta para conectar dos culturas a través del amor, la fuerza de los lazos de fraternidad y el autodescubrimiento (…). Cuando Anna Soler-Pont me ofreció dirigir ‘Rastros de Sándalo’ entendí que este viaje intercultural era completamente posible. La mitad de la película tiene lugar en el Mumbai caótico y el mundo colorista de Bollywood; la otra parte en la Barcelona más mediterránea, más organizada y fría. Cada vez que leía la última escena me emocionaba y una historia con un final tan emocionante seguro que es una muy buena película. Es una historia de drama clásico y sentimientos universales”, subraya Ripoll.
La película recibió el Premio del Público del Montreal World Film Festival 2014 y gustó también en la Seminci. Jamás antes Barcelona y Mumbai estuvieron tan próximas con una historia de amor y esperanza. Las vidas de dos hermanas separadas desde su infancia convergen entre estas dos ciudades, habiendo cruzado culturas y fronteras y más allá de un pasado común.
FICHA TÉCNICA DE ‘RASTROS DE SÁNDALO’:
Título original: ‘Rastres de Sàndal’. Dirección: María Ripoll. Países: España. Año: 2014. Duración: 95 minutos. Género: Drama. Reparto: Nandita Das (Mina), Aina Clotet (Paula), Naby Dakhli (Prakash), Subodh Maskara (Sanjay), Vaibhavi Hankare (Mina, joven), Rosa Novell (Madre de Paula) y Gal Soler (Padre de Paula). Guion: Anna Soler-Pont, basado en la novela homónima de Asha Miró y Anna Soler-Pont. Producción ejecutiva: Ricard Domingo, Albert Espel, Marc de Gouvenain y Anna Soler-Pont. Fotografía: Raquel Fernández Núñez. Música: Zeltia Montes y Simon Smith. Montaje: Irene Blecua. Dirección artística: Anna Pujol Tauler. Vestuario: Anna Güell y Shahnaz Vahanvaty. Distribuidora: Golem.
‘Madagascar’ (2005-2012) es una de las sagas más exitosas de Dreamworks Animation junto con ‘Shrek’ (2001-2010), ‘Cómo Entrenar a tu Dragón’ (2010-…, se estrenará la tercera parte en 2017) y ‘Kung Fu Panda’ (2008-…, la tercera película de la franquicia llegará en las navidades de 2015). La historia de Madagascar arrancó en la primavera de 2005 en el zoo de Central Park (Nueva York) con cuatro principales personajes: el león Alex, la jirafa Melman, la hipopótamo Gloria y la cebra Marty, con ganas de descubrir mundo. ‘Madagascar’ (Eric Darnell y Tom McGrath) recaudó 532,6 millones de dólares. Fue la película de animación más vista en el año 2005.
Se ganó una secuela, ‘Madagascar 2’ (Eric Darnell y Tom McGrath, 2008) (603,9 millones); una segunda secuela, ‘Madagascar 3: De Marcha por Europa’ (Eric Darnell, Conrad Vernon y Tom McGrath, 2012) (746,9 millones); y una tercera, sin título aún, que se estrenará el 18 de mayo de 2018. No habrá que esperar tanto para conocer las aventuras de cuatro conocidos personajes del zoo de Central Park: los pingüinos Kowalski, Rico, Soldado y el capitán Skipper, un disciplinado grupo, que funciona como un comando militar, con notable presencia en las tres primeras entregas de Madagascar. Ahora ha llegado el turno para ser los protagonistas en ‘Los Pingüinos de Madagascar’ (Simon J. Smith).
Skipper, Kowalski, Rico y Soldado se pondrán a disposición de la organización secreta Viento Norte (cuyo lema es ‘Nadie puede con el Viento Norte’), liderada por el Agente Clasificado (su nombre es secreto), un musculoso lobo. El objetivo es frenar los planes del maligno Doctor Salitre, un pulpo con muy malas pulgas y peores intenciones, un malvado al estilo de la saga Bond. El equipo de Skipper, Kowalski, Rico, Soldado y Agente Clasificado se completa con la lechuza Eva, la foca Mecha Corta y el oso polar Corporal. Como siempre en una cinta de animación, el reparto de las voces originales no tiene desperdicio con las presencias destacadas de Benedict Cumberbatch (Agente clasificado), John Malkovich (Doctor Salitre) y Peter Stormare (Corporal).
Tom McGrath, productor ejecutivo de ‘Los Pingüinos de Madagascar’, creador de los personajes de Madagascar junto con Eric Darnell y director de las tres primeras películas de la saga también junto con Darnell, se ha reservado el principal papel en el equipo de pingüinos, el capitán Skipper. Valiente, Skipper mantiene la disciplina en el grupo. Su mano derecha es Kowalski, el cerebro de las operaciones. Rico es el especialista en explosivos. Soldado, el más joven del grupo, se queda a menudo al margen de las misiones. “La suma de los pingüinos es mayor que cada una de sus partes. Trabajan realmente bien como un grupo, mucho mejor que cada uno por sí mismo. Son como las cuatro partes que conforman un cerebro: Capitán es el liderazgo, Soldado el corazón, Kowalski la inteligencia y Rico el valor. Así, entre los cuatro forman un todo que es, además, muy divertido”, puntualiza Darnell, que en ‘Los Pingüinos de Madagascar’ ejerce funciones de productor ejecutivo.
“Son como una banda de hermanos que valoran sobre todas las cosas su amistad, su código moral y el amor de unos por otros”, define Simon J. Smith. ‘Los Pingüinos de Madagascar’ es el proyecto más importante en la carrera de Smith, codirector de ‘Bee Movie’ (2007), nominada a los Globos de Oro. ‘Los Pingüinos de Madagascar’ arranca con una parada en la Antártida mostrándonos la vida del grupo antes de su actual vida como salvadores del mundo. “Si tuviera que elegir tres palabras para describir ‘Los Pingüinos de Madagascar’, diría divertida, divertida y entrañable. Principalmente es una comedia, pero también tiene partes que llegan al corazón y que llevan un mensaje a todo el mundo: No juzgues un libro por su portada”, insta McGrath, como el capitán Skipper, a los espectadores.
FICHA TÉCNICA DE ‘LOS PINGÜINOS DE MADAGASCAR’:
Título original: ‘Penguins of Madagascar’. Dirección: Simon J. Smith y Eric Darnell. País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 92 minutos. Género: Animación. Reparto (voces): Tom McGrath (Skipper), Chris Miller (Kowalski), Conrad Vernon (Rico), Christopher Knights (Soldado), Benedict Cumberbatch (Agente clasificado), John Malkovich (Dave/Dr. Octavio Salitre), Ken Jeong (Mecha Corta), Annet Mahendru (Eva), Peter Stormare (Corporal) y Werner Herzog (Narrador). Guion: John Aboud, Michael Colton, Brandon Sawyer, Tom McGrath y Eric Darnell, basado en los personajes de Tom McGrath y Eric Darnell. Producción ejecutiva: Eric Darnell, Tom McGrath y Mireille Soria. Producción: Lara Breay, Mark Swift y Tripp Hudson (coproductor). Música: Lorne Balfe. Montaje: Nick Kenway. Distribuidora: Twentieth Century Fox España.
Terry Gilliam, homenajeado en el Festival de Gijón que comenzó el pasado viernes y concluirá hoy sábado, es uno de los directores internacionales con una filmografía más singular. Lo demuestra su currículo como uno de los miembros fundadores de los Monty Python y su trabajo como director con títulos como ‘Los Caballeros de la Mesa Cuadrada y sus Locos Seguidores’ (1975), ‘Brazil’ (1985), ‘El Rey Pescador’ (1991), ‘12 Monos’ (1995), ‘Miedo y Asco en Las Vegas’ (1998), ‘El Secreto de los Hermanos Grimm’ (2005) y ‘El Imaginario del Doctor Parnassus’ (2009). Gilliam se ajusta perfectamente a la etiqueta de lo que se entiende como director de culto. También su última película: ‘The Zero Theorem’, proyectada en la Sección Oficial del Festival de Venecia 2013.
Gilliam no decepcionó a nadie, a sus adeptos y a sus críticos, con una nueva incursión en la ciencia ficción con una película de aroma ‘orwelliano’ con la amenaza del famoso y temido fenómeno del Gran Hermano. El austriaco Christoph Waltz (que suena en los últimos días como el próximo malvado en ‘Bond 24’) se atreve con un personaje ciertamente complejo (Qohen Leth). Un excéntrico y solitario genio de la informática que vive recluido para resolver un imposible problema matemático que le permita llegar al Teorema Cero. Por si el argumento no fuera ya suficientemente ‘orwelliano’, Gilliam añade más detalles. Qohen Leth está presionado por un líder oscuro y enigmático interpretado por Matt Damon.
Terry Gilliam simplificó en Venecia el argumento ante las incrédulas preguntas de parte de la prensa: “El futuro nos ha hecho prisioneros antes de que nos diéramos cuenta, hablamos de internet y de relaciones virtuales. En la película el protagonista está aislado, como lo está actualmente la mayor parte de nosotros. Es una película simple sobre un complicado hombre moderno que está a la espera de una llamada telefónica que le ayude a encontrar sentido a su vida. Es una película sobre la inevitabilidad de las relaciones y el deseo del amor”.
Pese a su aislamiento, Qohen Leth comienza una relación (virtual) con una mujer, Bainsley (Mélanie Thierry). “Ella le seduce en un mundo virtual y le decepciona en el real. Es muy trágico y triste. Es algo muy peligroso. ¡No lo recomiendo para nada!”, apuntó Gilliam en la Mostra de Venecia. Un mensaje que matizó con un guiño humorístico optimista: “Lo importante es tener control sobre nuestra vida ya sea virtual, real o surrealista”. ‘The Zero Theorem’ ha sido comparada con ‘Brazil’, película de culto de la ciencia ficción en la década de los ochenta.
FICHA TÉCNICA DE ‘THE ZERO THEOREM’:
Dirección: Terry Gilliam. País: Reino Unido. Año: 2013. Duración: 107 minutos. Género: Ciencia ficción. Reparto: Christoph Waltz (Qohen Leth), Mélanie Thierry (Bainsley), David Thewlis (Joby), Lucas Hedges (Bob), Matt Damon (‘Dirección’ Doctor Mann), Tilda Swinton (Dra. Shrink-ROM), Sanjeev Bhaskar (Doctor 1), Peter Stormare (Doctor 2) y Ben Whishaw (Doctor 3). Guion: Pat Rushin. Producción ejecutiva: Patrick Newall, Mark Bakunas (productor asociado), Dominic Rustam (productor asociado), Patricia Poienaru (productora gerente) y Amy Gilliam (productora comercial). Producción: Nicolas Chartier, Dean Zanuck, Chris Curling (coproductor), Zev Foreman (coproductor), Phil Robertson (coproductor), Andreea Stanculeanu (coproductora) y Christoph Waltz (coproductor). Fotografía: Nicola Pecorini. Música: George Fenton. Montaje: Mick Audsley. Diseño de producción: David Warren. Vestuario: Carlo Poggioli. Distribuidora: SonyPictures Releasing de España.
Dos chicos de las favelas de Río de Janeiro, Rafael (Rickson Tevez) y Gardo (Eduardo Luis), encuentran una cartera en el basurero donde buscan a diario, pero no se imaginan que este hecho cambiará su vida para siempre. Cuando aparece la policía local para ofrecerles una generosa recompensa por la cartera, Rafael y Gardo comprenden que han encontrado algo importante. Deciden recurrir a su amigo Rato (Gabriel Weinstein). Los tres se lanzan a una extraordinaria aventura para intentar quedarse con la cartera y descubrir el secreto que esconde.
Stephen Daldry (‘Billy Elliot’, ‘Las Horas’, ‘The Reader’ y ‘Tan Fuerte, Tan Cerca’) adapta en ‘Trash, Ladrones de Esperanza’ la novela homónima de Andy Mulligan, que dio clases en Brasil, India, Filipinas y Malasia. Daldry cuenta con un guion de Richard Curtis (‘Cuatro Bodas y un Funeral’). “Me gusta que haya películas emocionantes que traten de situaciones sociales muy serias. Intentamos demostrar que no se debe categorizar a nadie porque no haya estudiado o porque trabaje en un basurero. Son personas reales, llenas de emociones”, aplaude Curtis. La historia se ubica en las favelas de Río. “Las cosas cambian y Brasil es uno de los mejores ejemplos para probarlo. La película habla de la corrupción y de la violencia, pero se centra más en la batalla librada contra estos dos males y no tanto en la desesperanza de un barrio”, añade el guionista de ‘Trash, Ladrones de Esperanza’.
Uno de los detalles más destacados del filme es la presencia de tres adolescentes actores casi sin experiencia previa. Daldry se ha deshecho en elogios hacia la actuación de los tres jóvenes: “Los tres proceden de entornos difíciles, pero son extraordinarios. La película se convirtió en su historia, fueron capaces de transmitir lo que sienten y piensan”: Rickson Tevez (Rafael, el idealista del grupo) tiene catorce años y vive con su familia en la favela Rocinha en Río de Janeiro. “Estaba jugando al fútbol con mis amigos cuando me enteré de que hacían pruebas para una película”. Hasta entonces soñaba con alistarse en el Ejército, pero ahora su sueño ha cambiado y quiere ser actor.
Eduardo Luis (Gardo) interpreta al mejor amigo de Rafael. Tiene catorce años y vive con su abuela y dos hermanos en Inhaúma, al sureste de Brasil. Toca el repinique, el doble tambor brasileño, con otros jóvenes músicos en la escuela de samba Caprichosos de Pilares. Le gustan las artes marciales, concretamente el muay thai y el jiu jitsu.
Gabriel Weinstein (Rato) cumplió quince años al final del rodaje. Anteriormente había tenido un pequeño papel en la miniserie ‘Hojé e Dia de Maria’, producida por Rede Globo, y no quiso dejar pasar la oportunidad de interpretar un papel protagonista. Se enteró de la prueba de casting en la favela Cidade de Deus, situada en la zona oeste de Río, donde vive, y se presentó sin perder un minuto.
FICHA TÉCNICA DE ‘TRASH, LADRONES DE ESPERANZA’:
Título original: ‘Trash’. Dirección: Stephen Daldry. País: Reino Unido. Año: 2014. Duración: 115 minutos. Género: Drama. Reparto: Rickson Teves (Raphael), Eduardo Luis (Gardo), Gabriel Weinstein (Rato), Rooney Mara (Hermana Olivia), Martin Sheen (Padre Juilliard), Wagner Moura (José Angelico), Selton Mello (Frederico Gonz) y Stepan Nercessian (Santos). Guion: Richard Curtis, basado en la novela homónima de Andy Mulligan. Producción ejecutiva: Bel Berlinck, Andrea Barata Ribeiro, Fernando Meirelles, Amelia Granger y Liza Chasin. Producción: Tim Bevan, Eric Fellner y Kris Thykier. Fotografía: Adriano Goldman. Música: Antonio Pinto. Montaje: Elliot Graham. Diseño de producción: Tulé Peak. Vestuario: Bia Salgado. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.
La idea es simple. Una mujer casada y un hombre soltero se conocen. Se aman, discuten, los puñetazos vuelan. Un perro está entre la ciudad y el campo. Las estaciones pasan. El hombre y la mujer se reencuentran. El perro se encuentra a sí mismo entre los dos. El otro está en uno. El uno está en el otro. Y son tres. El marido lo echa todo a perder. Una segunda película comienza. Igual que la primera. Y a la vez no. De la carrera humana pasamos a la metáfora. Termina en ladridos. Y un bebe llora.
Jean-Luc Godard, a sus 83 años, presenta su nuevo juguete experimental de apenas setenta minutos de metraje: ‘Adiós al Lenguaje’, Premio del Jurado en el último Festival de Cannes. Godard, máximo exponente de la Nouvelle Vague, excuso su asistencia en Cannes. Irónicamente, recibió su primer premio en el certamen con una propuesta, como poco, nada convencional. Godard sigue a una pareja, casi siempre desnuda, que dialoga sobre temas muy diferentes y densos. Una especie de diálogo filosófico expuesto como un collage con el uso (justificado o no) del 3D.
‘Adiós al Lenguaje’ “es una especie de alianza de la palabra y la imagen, que quizá el niño conoce durante un breve momento al nacer, porque está a la vez deslumbrado y grita (…). Es la historia de una pareja-dúo que no puede ya caminar en dúo”, diseccionó en una entrevista a la emisora France Inter antes de la proyección de la película en Cannes. ‘Maquiavelo, Richelieu, Bismarck, una gran tradición que ha preparado esta crisis’, ‘La mujer no puede hacer daño, puede matarte, eso es todo’ y ‘No es el animal el que está solo, sino el hombre’ son algunas de las ‘inconexas’ citas de ‘Adiós al Lenguaje’. ¿El significado? Godard ya avisó tras remitir una carta al Festival de Cannes: “No soy el que vosotros creéis que aún soy”.
FICHA TÉCNICA DE ‘ADIÓS AL LENGUAJE’:
Título original: ‘Adieu au Langage’. Dirección y guion: Jean-Luc Godard. Países: Francia y Suiza. Año: 2014. Duración: 70 minutos. Género: Drama experimental. Reparto: Héloise Godet (Josette), Zoé Bruneau (Ivitch), Kamel Abdelli (Gédéon), Richard Chevallier (Marcus), Jessica Erickson (Mary Shelley) y Christian Gregori (Davidson). Producción: Brahim Chioua, Vincent Maraval y Alain Sarde. Fotografía: Fabrice Aragno. Montaje: Jean-Luc Godard. Distribuidora: Vértigo Films España.
La debutante Sophie Lellouche dirige y escribe la comedia romántica francesa ‘París-Manhattan’, heredera del cine de Woody Allen, tanto que el director neoyorquino hace un pequeño cameo. “Woody Allen me ha marcado. ‘Hannah y sus Hermanas’ fue el primer filme de él que descubrí. Cuando iba saliendo del cine, ya tenía consciencia del impacto que el filme iba a provocarme. Tras esta cinta, he visto todas las demás. Woody Allen se ha convertido en uno de mis realizadores preferidos.. Su obra posee tal densidad que he podido robarle la filosofía necesaria para Alice. Durante la escritura del guión, he ido nutriéndome de su espíritu, de sus réplicas. Woody habla de todo lo que concierne a la vida, al amor, a la muerte, o a la relación con Dios, el todo evoluciona de una película a otra, y cada vez ofrece puntos de vista distintos. Cada uno de sus filmes revela un poco más su humanidad”, se rinde Lellouche ante Woody Allen.
Alice (Alice Taglioni) es una guapa y joven soltera farmacéutica que siente una insólita fascinación por Woody Allen. A pesar de que su soltería es un tema que no le preocupa en absoluto, su entorno familiar vive obsesionado por encontrarle pareja a toda costa, aunque en realidad ella desea a la pareja de su hermana. Como en los grandes amores, Victor (Patrick Bruel) aparecerá en la vida de Alice sin previo aviso, al acudir para instalar una alarma de seguridad en la farmacia que Alice ha heredado de su padre. Su inesperado encuentro podría cambiar la vida de ambos.
FICHA TÉCNICA DE ‘PARÍS-MANHATTAN’:
Dirección y guion: Sophie Lellouche. País: Francia. Año: 2012. Duración: 77 minutos. Género: Comedia romántica. Reparto: Patrick Bruel (Victor), Alice Taglioni (Alice), Marine Delterme (Hélène), Louis-Do de Lencquesaing (Pierre), Michel Aumont (el padre), Marie-Christine Adam (la madre) y Yannick Soulier (Vincent). Productor asociado: Etienne Comar. Producción: Philippe Rousselet. Fotografía: Laurent Machuel. Música: Jean-Michel Bernard. Montaje: Monica Coleman. Diseño de producción: Philip L’Évêque. Vestuario: Fabienne Katany. Distribuidora: Emon.
Fred Schepisi, con interesantes títulos como ‘Roxanne’ (1987), ‘La Casa Rusia’ (1990), ‘Seis Grados de Separación’ (1993), ‘El Genio del Amor’ (1994), ‘Criaturas Feroces’ (1997), ‘Last Orders’ (2001) y ‘Cosas de Familia’ (2003), busca reverdecer antiguos laureles con una pequeña comedia dramática, ‘Lecciones de Amor’, con una interesante pareja protagonista: la actriz francesa Juliette Binoche, que espacia cada vez más sus apariciones en el cine estadounidense, y Clive Owen, ganador de un Globo de Oro por ‘Closer’ (Mike Nichols, 2004).
Ambientada en una escuela de élite situada en Nueva Inglaterra, ‘Lecciones de Amor’ gira en torno a la ‘polémica’ relación que entablan un profesor de lengua (Owen) que lucha por transmitir su entusiasmo por la gramática a sus alumnos y una profesora de arte, una conocida artista que comienza a dar clases en la escuela. El profesor declarará una guerra a base de ‘palabras contra imágenes’, enfrentando a sus estudiantes en un intento por mostrar qué medio puede tener mayor significado. Este juego desencadenará en una bonita historia de amor.
FICHA TÉCNICA DE ‘LECCIONES DE AMOR’:
Título original: ‘Words and Pictures’. Dirección: Fred Schepisi. País: Estados Unidos. Año: 2013. Duración: 111 minutos. Género: Comedia dramática. Reparto: Clive Owen (Jack Marcus), Juliette Binoche (Dina Delsanto), Keegan Connor Tracy (Ellen), Bruce Davison (Walt), Amy Brenneman (Elspeth), Adam DiMarco (Swint) y Valerie Tian (Emily). Guion: Gerald Di Pego. Producción ejecutiva: Wade Barker, Joseph Newton Cohen, Derrick Evers, Bob Gass, Judy Burch Gass, Nancy Rae Stone, Richard Toussaint y Madison Lacerte (productora asociada). Producción: Curtis Burch, Gerald Di Pego, Fred Schepisi, Gary Cogill (coproductor) y Frankey Dey (coproductor). Fotografía: Ian Baker. Música: Paul Grabowsky. Montaje: Peter Honess. Dirección de arte: Kendelle Elliott y James Steuart. Vestuario: Tish Monaghan. Distribuidora: VerCine.
‘Amour Fou’ es un drama romántico de época que participó en la sección Un Certain Regard del último Festival de Cannes y en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Dirige Jessica Hausner, Premio Fipresci en Venecia y Mejor Película en el Festival de Sevilla en el año 2009 con ‘Lourdes’. En ‘Amour Fou’, Hausner aborda el ideal romántico de morir por amor inspirada en el poeta y dramaturgo Heinrich von Kleist, que se quitó la vida junto con su musa y compañera (Adolfine Vogel).
Berlín, 1811. Heinrich (Christian Friedel) quiere matarse por amor. Y como a su amada Marie (Sandra Hüller) esto no le convence, decide intentarlo con Henriette (Birte Schnoeink), mujer casada a la que tampoco le hace gracia la idea hasta que le diagnostican una enfermedad mortal.
FICHA TÉCNICA DE ‘AMOUR FOU’:
Dirección y guion: Jessica Hausner. Países: Austria, Alemania y Luxemburgo. Año: 2014. Duración: 96 minutos. Género: Drama romántico. Reparto: Christian Friedel (Heinrich von Kleist), Birte Schnoeink (Henriette Vogel), Stephan Grossmann (Vogel), Sandra Hüller (Marie), Sebastian Hülk (Pfuehl) y Peter Jordan (Adam Müller). Producción: Martin Gschlacht, Antonin Svoboda, Bruno Wagner, Bady Minck y Alexander Dumreicher-Ivanceanu. Fotografía: Martin Gschlacht. Montaje: Karina Ressler. Diseño de producción: Katharina Wöppermann. Vestuario: Tanja Hausner. Distribuidora: Paco Poch Cinema.