Jalil Lespert dirige el biopic ‘oficial’ del mítico diseñador. Gabi Ocho debuta con ‘El Amor no es lo que Era’. Nicola Cage protagoniza el drama rural ‘Joe’. ‘El Corredor del Laberinto’, nueva saga juvenil. ‘Sacro GRA’, León de Oro 2013.
“Chanel le dio a las mujeres libertad. Yves Saint Laurent les dio poder (…). Fue un libertario, un anarquista que lanzó bombas a los pies de la sociedad. Así es como transformó la sociedad y así transformó a las mujeres”, reflexionaba Pierre Berge, su socio y pareja durante casi medio siglo, en France Info tras la muerte de Yves Saint Laurent (Orán-Argelia, 1936 – París-Francia, 2008), víctima de un tumor cerebral, a los 71 años. El mundo de la moda perdía al alumno que aventajó al maestro, Christian Dior, al gran diseñador francés que, junto con Coco Chanel, lideró la revolución femenina en la segunda mitad del siglo XX. “He tratado siempre de prever hoy aquella moda que la gente se pondrá mañana”, resumía Saint Laurent sobre su trabajo.
Jalil Lespert, director con un reducido y casi desconocido currículo compuesto por dos únicos títulos: ‘24 Mesures’ (2007) y ‘Des Vents Contraires’ (2011), firma el primer biopic sobre el diseñador de origen argelino titulado como su nombre ‘Yves Saint Laurent’. La película, estrenada en la última edición de la Berlinale en la sección Panorama, cuenta con la aprobación y apoyo de Pierre Berge a través de la Fundación Saint Laurent que preside el socio y pareja de Saint Laurent. Una colaboración que no ha existido en el biopic sobre Yves Saint Laurent dirigido por Bertrand Bonello, titulado simplemente ‘Saint Laurent’, que participó en la sección oficial del último Festival de Cannes, donde decepcionó. El biopic de Lespert, de carácter más oficial, tampoco es que encandilara en Berlín.
“Naturalmente, quería ser fiel a la historia de su vida y que la gente pudiera conocer más de ella. Es una historia original. Queríamos contar una gran historia de amor, sobre dos personas que se quieren. Uno se encarga de conseguir crear vestidos y el otro de la parte empresarial. Esto era muy interesante. Pero no solo quería hablar sobre eso sino también sobre su especial relación con las mujeres, que espero que haya quedado plasmada”, ha precisado Lespert sobre sus objetivos con ‘Yves Saint Laurent’. El director parisino se centra en una etapa concreta de la vida del diseñador, desde sus primeros pasos en el mundo de la moda como asistente de Christian Dior con apenas diecinueve años hasta su mítico desfile del Ballet Russes en 1976. Entre medias, dos décadas de intensa actividad empresarial, artística y sentimental con episodios de depresión y abuso de alcohol, drogas y 150 cigarrillos diarios.
“Nuestro filme se adentra en la personalidad y el entorno real de Yves Saint Laurent más allá del mito”, incide Lespert para diferenciarse del polémico biopic de Bonello. Lespert cuenta con un Saint Laurent con un asombroso parecido físico al diseñador que vistió, entre otras, a Catherine Denueve, una de sus musas: Pierre Niney, conocido por la comedia romántica ‘20 años no importan’ (David Moreau, 2012). Guillaume Gallienne, tras el gran éxito obtenido en Francia con ‘Guillaume y los chicos, ¡a la mesa!’(2013) con tres millones de espectadores, se encarga de replicar a Niney como Pierre Bergé. No faltan tampoco rivales en el mundo de la moda como el diseñador alemán Karl Lagerfeld (Nikolai Kinski), que sale bastante mal parado en la película, y sus musas en la pasarela como Victoire Doutreleau (Charlotte Le Bon), Loulou de la Falaise (Laura Smet) y Betty Catroux (Marie de Villepin).
“Las musas eran muy importantes para Yves Saint Laurent. Eran tan importantes que Victorie (Doutreleau) llegó a ocupar mucho espacio en la vida entre él y Bergé. Demasiado, a mi modo de ver (…). Una persona que es demasiado sensible tiene dificultades con la realidad. En esto ayudan las musas”, ha explicado Lespert sobre este primer biopic sobre Yves Saint Laurent que, de momento, ha dejado algo frío al público francés como ocurrió con Coco Chanel, pese a la presencia de Audrey Tautou, en ‘Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel’ (Anne Fontaine, 2009). El mito de Yves Saint Laurent, el autor de frases tan conocidas como “con los años he aprendido que lo más importante en un vestido es la mujer que lo lleva puesto”, tampoco está a la altura en la película de Jalil Lespert. El biopic de Bonello se estrenará en Francia en la próxima semana. Aún no hay fecha en España.
FICHA TÉCNICA DE ‘YVES SAINT LAURENT’:
Dirección: Jalil Lespert. País: Francia. Año: 2014. Duración: 101 minutos. Género: Drama biográfico. Reparto: Pierre Niney (Yves Saint Laurent), Guillaume Gallienne (Pierre Bergé), Charlotte Le Bon (Victoire Doutreleau), Laura Smet (Loulou de la Falaise), Marie de Villepin (Betty Catroux), Xavier Lafitte (Jacques De Bascher) y Nikolai Kinski (Karl Lagerfeld). Guion: Jacques Fieschi, Jérémie Guez, Marie-Pierre Huster y Jalil Lespert, basada en la biografía de Laurence Benaïm sobre Yves Saint Laurent. Producción: Yannick Bolloré. Fotografía: Thomas Hardmeier. Música: Ibrahim Maalouf. Montaje: François Gédigier. Diseño de producción: Aline Bonetto. Vestuario: Madeline Fontaine. Distribuidora: Vértigo Films.
El director valenciano Gabi Ochoa presenta su ópera prima, ‘El Amor no es lo que Era’, cinta de TV On Producciones que clausuró el Festival de Málaga de Cine Español del año 2013. Ochoa plantea tres historias de amor “sin estridencias” entre dos jóvenes que acaban de conocerse, Álex (Nicolás Coronado) y Lucía (Aida Folch); una pareja con la pasión apagada, Jorge (Alberto San Juan) y Paz (Blanca Romero); y dos adultos que en su vejez se reencuentran tras varias décadas de separación, Albert (Carlos Álvarez-Novoa) e Irene (Petra Martínez). José Coronado, con una breve aparición de medio minuto, completa el reparto. Coronado coincide por primera vez en el cine con su hijo Nicolás.
“Si tengo que recordar la primera vez que apareció ‘El amor no es lo que era’ en mi mente, me remonto casi al año 2004 ó 2005. Después de una crisis personal, reflexioné sobre qué era el amor. Sí, os parecerá una gilipollez, pero me puse muy crítico y objetivo porque quería conocer cuáles eran los mecanismos del amor. ¿Por qué la gente se enamora? ¿Por qué nos atrae una persona y no otra? ¿Por qué aquella persona que mirabas mal, ahora la miras bien? ¿Por qué el amor duele más que sacarte las cuatro muelas del juicio a la vez?”, se pregunta Gabi Ochoa en su blog GuionistasVLC. Ochoa cita como fuentes de inspiración a la nueva comedia francesa, con títulos como ‘El Primer Día del Resto de mi Vida’, ‘Pequeñas Mentiras sin Importancia’, ‘Declaración de Guerra’ o ‘Para Todos los Gustos’, y a directores como Michael Winterbottom y Wong Kar Wai.
‘El Amor no es lo que Era’ significa “cómo se va perdiendo el concepto romántico del amor (…). La sociedad nos demanda tanto, sobre todo a nivel profesional, que el amor, que debe ser importante, lo dejamos en un segundo plano”, lamentaba Nicolás Coronado en el Festival de Málaga tras la proyección del filme. Para Aida Folch, su pareja en la película, “todos tenemos nuestras máscaras y miedos al lanzarnos al amor pero, al final, es irremediable y sigue su curso”. La actriz, teñida de rubia para la ocasión, destaca “la chispa de conocer a alguien” pero “contando los problemas y miedos que supone”.
Ochoa encuentra una ley física, “que encaja a la perfección”, para explicar el amor: la Ley de Trayectorias Divergentes. “En la parábola parece que las trayectorias no volverán a unirse, pero en un punto lejano, siempre vuelven a acercarse. Por el contrario, el comportamiento en la hipérbola es distinto: los cuerpos nunca volverán a su punto de origen. El factor determinante es la velocidad de fuga, valor fijo que marca cuál será la trayectoria del objeto en el futuro”. A fin de cuentas, ‘El Amor no es lo que Era’.
FICHA TÉCNICA DE ‘EL AMOR NO ES LO QUE ERA’:
Dirección: Gabi Ochoa. País: España. Año: 2013. Duración: 89 minutos. Género: Drama romántico. Reparto: Aida Folch (Lucía), Alberto San Juan (Jorge), Petra Martínez (Irene), Carlos Álvarez-Nóvoa (Albert), Blanca Romero (Paz), Nicolás Coronado (Álex) y José Coronado. Guion: Ada Hernández, Rafa Cobos y Gabi Ochoa. Producción: Paloma Mora. Fotografía: Gabo Guerra. Música: Julio de la Rosa. Montaje: Vicente Ibáñez y Rafa Montesinos. Vestuario: Soledad Molina. Distribuidora: Premium.
David Gordon Green, que acaba de participar en la Mostra de Venecia dirigiendo a Al Pacino en ‘Manglehorn’, estrena en España su penúltima película, ‘Joe’, protagonizada por Nicolas Cage y exhibida también en Venecia un año antes. Cage aparca sus habituales papeles de acción en el cine comercial para embarcarse en un drama rural sureño, ambientado en Mississippi. Interpreta a un expresidiario que acoge bajo su tutela a un adolescente de quince años, Gary (Tye Sheridan), tras contratarle junto a su padre alcohólico y maltratador para su cuadrilla de ‘envenenadores de árboles’ para una empresa maderera.
‘Joe’ adapta la homónima novela de Larry Brown. Un desmejorado Nicolas Cage, con barba, algo pasado de kilos y vestimenta sucia, ha convencido a la crítica internacional. ‘Cage se enfurece con gran energía, pero aun así deja entrever la gran honestidad de Joe con una interpretación magistral’ (Variety). ‘Nicolas Cage ofrece la que puede ser su mejor y más matizada interpretación, en el arenoso, hipnótico y profundo Joe’ (Washington Post). ‘Cage realiza su actuación más comprometida en años, como este alma dividida’ (New York Times). ‘Joe es un recordatorio del gran actor que es Cage’ (The Guardian).
El filme coge, no obstante, vuelo con la aparición del debutante Gary Poulter como Wade, el violento padre del muchacho. Todo un efímero descubrimiento. Poulter vivía en la calle cuando fue reclutado para el filme. Falleció poco después del rodaje. “Ha sido un gran honor trabajar con alguien tan bueno como Nicolas, un sueño hecho realidad, pero también una increíble experiencia hacerlo con alguien como Poulter, con un negro camino en el pasado”, recuerda David Gordon Green. ‘Joe’ significa, además, el regreso, tras dos años de inactividad en las salas, de la distribuidora Vértice Cine.
FICHA TÉCNICA DE ‘JOE’:
Dirección: David Gordon Green. País: Estados Unidos. Año: 2013. Duración: 117 minutos. Género: Drama. Reparto: Nicolas Cage (Joe Ransom), Tye Sheridan (Gary), Heather Kafka (Lacy), Ronnie Gene Blevins (Willie), Sue Rock (Merle), Adriene Mishler (Connie) y Gary Poulter (Wade). Guion: Gary Hawkins, basado en la novela homónima de Larry Brown. Producción: David Gordon Green, Lisa Muskat, Derrick Tseng y Christopher Woodrow. Fotografía: Tim Orr. Música: Jeff McIlwain y David Wingo. Montaje: Colin Patton. Diseño de producción: Chris L. Spellman. Vestuario: Karen Malecki y Jill Newell. Distribuidora: Vértice Cine.
Potencial número uno de la taquilla ocupando la cartelera en 325 cines. Wes Ball, curtido en el mundo de la animación, dirige su primer largometraje de ficción: ‘El Corredor del Laberinto’, película de ciencia ficción apocalíptica basada en la homónima novela de James Dashner. ‘El Corredor del Laberinto’ es el primer libro de una nueva saga literaria enfocada al público juvenil con puntos en común con ‘Los Juegos del Hambre’ o la serie ‘Perdidos’. Ball se adentra en el año 2024 en el Claro, un enigmático lugar rodeado de muros y con un inmenso laberinto habitado por malvadas criaturas: los Grievers. Cada mes, llega un nuevo habitante, siempre un chico, hasta que aparece la primera mujer.
“Tuve una imagen muy potente de cómo era el interior del Claro, que veía como un entorno salvaje, abrupto, deforestado y extremadamente realista, cercado por imponentes muros de hormigón. Inmediatamente me di cuenta de que era un mundo en el que quería vivir durante los próximos años”, sentencia el director de ‘El Corredor del Laberinto’. “Me encantan las películas en las que se recrea un universo. Y esta película crea todo un mundo, de arriba abajo. Empezamos en el Claro, un lugar que los propios chicos han construido. Después, fuera de los muros, nos introducimos en el gran mundo del Laberinto, y éste es un escenario absolutamente distinto”.
Una saga que arranca en el cine con un estimable presupuesto de 30 millones de dólares y con una sugerente simbología. Los corredores del Laberinto del Claro tienen su propia oración: “Otórganos velocidad y agilidad para orientarnos a través del Laberinto. Ayúdanos a proteger y defender a nuestra familia en el Claro. Desde los pasajes angostos hasta las cuchillas y el camino de vuelta, que tu guía nos traiga sanos y salvos antes de que los muros se cierren. Cuando estemos en peligro, protégenos de la picadura de los Grievers. Concédenos la victoria y una paz duradera. Y así nuestra Carrera puede que no haya sido en vano. Si no es aquí, en el Claro, ahí fuera, en un lugar mejor”.
FICHA TÉCNICA DE ‘EL CORREDOR DEL LABERINTO’:
Título original: ‘The Maze Runner’. Dirección: Wes Ball. País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 110 minutos. Género: Ciencia-ficción. Reparto: Dylan O’Brien (Thomas), Thomas Brodie-Sangster (Newt), Kaya Scodelario (Teresa), Will Poulter (Gally), Ki Hong Lee (Minho), Aml Ameen (Alby) y Blake Cooper (Chuck). Guion: Grant Pierce Myers, Noah Oppenheim y T.S. Nowlin, basado en la novela homónima de James Dashner. Producción: Ellen Goldsmith-Vein, Wyck Godfrey, Lee Stollman y Marty Bowen. Fotografía: Enrique Chediak. Música: John Paesano. Montaje: Dan Zimmerman. Diseño de producción: Marc Fisichella. Vestuario: Christine Bieselin Clark y Simonetta Mariano. Distribuidora: Hispano Foxfilm.
Chloë Grace Moretz (‘La Invención de Hugo’, la última versión de ‘Carrie’ y la inminente ‘The Equalizer’ con Denzel Washinton) se examina en el drama adolescente ‘Si Dedico Quedarme’, adaptación de la popular novela ‘If I Stay’, de Gayle Forman, con la dirección del debutante R.J. Cutler. Mia Hall (Moretz) es una adolescente de diecisiete años, virtuosa del violonchelo, que está a punto de realizar una vital audición para ingresar en la prestigiosa escuela Juilliard y comenzar una carrera musical. Un sueño que choca con las dudas de dejar atrás a su familia, amigas y novio.
Un accidente de tráfico en una excursión familiar la dejará en coma. Mientras se enfrenta a la muerte, analiza su futuro. “Mi hermano iba a una escuela de arte dramático y yo le ayudaba a ensayar. Me convertí en una niña rara que memorizaba monólogos de Shakespeare. Recuerdo que pregunté a mi madre y mi hermano si podía hacer esto toda mi vida (ambos son actualmente sus representantes). Mi familia es bastante parecida (a la de Mia). Me apoya mucho, es genial”, añade Chloë Grace Moretz, una de las nuevas estrellas del cine estadounidense con apenas diecisiete años.
‘Si Dedico Quedarme’ “tiene muchos mensajes, pero el más importante es el amor por la vida, la pasión por la música y la familia. Y el primer amor. El mensaje principal es apreciar lo que tienes y decirle cada día a los que te rodean que les quieres”, valora Chloë Grace Moretz que, solo en los próximos meses, tiene pendientes otros cuatro estrenos más: ‘The Equalizer’, ‘Dark Places’, ‘Laggies’ y ‘Clouds of Sils Maria’ para impulsar a una de las principales exponentes de la nueva hornada de actrices estadounidenses. ‘Si Decido Quedarme’ ha funcionado muy bien en la taquilla estadounidense: 45 millones de dólares.
FICHA TÉCNICA DE ‘SI DECIDO QUEDARME’:
Título original: ‘If I Stay’. Dirección: R.J. Cutler. País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 106 minutos. Género: Drama. Reparto: Chloë Grace Moretz (Mia Hall), Jamie Blackley (Adam Wilde), Mireille Enos (Kat Hall), Joshua Leonard (Denny Hall), Liana Liberato (Kim Schein), Lauren Lee Smith (Willow) y Stacy Keach (Gramps). Guion: Shauna Cross, basado en la novela homónima de Gayle Forman. Producción: Denise Di Novi y Alison Greenspan. Fotografía: John De Borman. Música: Heitor Pereira. Montaje: Keith Henderson. Diseño de producción: Brent Thomas. Vestuario: Monique Prudhomme. Distribuidora: Warner Bros.
‘Así en la Tierra como en el Infierno’ es la propuesta del cine de terror en la nueva cartelera. Una producción de serie B dirigida por John Erick Dowdle, responsable de ‘Quarantine’, el intrascendente remake estadounidense de ‘[REC]’ (Jaume Balagueró). ‘Así en la Tierra como en el Infierno’ invita al espectador a un inquietante viaje a los kilómetros de catacumbas que se esconden en el subsuelo de París que alberga a más cadáveres que vivos en la superficie.
John Erick Dowdle y su hermano Drew Dowdle ruedan cámara en mano y utilizan las cámaras en los cascos de los expedicionarios perdidos que protagonizan la película al más puro estilo Balagueró y Paco Plaza en la saga ‘[REC]’. ‘Así en la Tierra como en el Infierno’ se grabó en las mismas catacumbas de París probando físicamente a los actores y al equipo técnico. “Llevábamos tres horas y media o cuatro en los túneles y nos arrastrábamos bajo unas enormes formaciones rocosas. Era terrorífico, la ambientación perfecta para la película”, echa la mirada atrás John Erick Dowdle sobre la dinámica de rodaje.
“Queríamos crear un entorno infernal. Nuestra idea era no añadir nada, rodarlo todo en las catacumbas y en otros lugares que sirvieran para aumentar las catacumbas. Fue una hazaña conseguir los permisos, pero era primordial para nosotros rodar in situ. Con los permisos en la mano y una vez decididas las localizaciones, nos rendimos ante la evidencia de que el equipo de rodaje debía ser muy reducido, tipo guerrilla”, corrobora Drew Dowdle sobre el desarrollo de ‘Así en la Tierra como en el Infierno’, terror en los cimientos de París.
FICHA TÉCNICA DE ‘ASÍ EN LA TIERRA COMO EN EL INFIERNO’:
Título original: ‘As Above, so Below’. Dirección: John Erick Dowdle. País: Estados Unidos. Año: 2014. Duración: 93 minutos. Género: Terror. Reparto: Perdita Weeks (Scarlett Marlowe), Ben Feldman (George), Edwin Hodge (Benji), François Civil (Papillon), Marion Lambert (Souxie), Ali Marhyar (Zed) y Cosme Castro (The Mole). Guion: John Erick Dowdle y Drew Dowdle. Producción: Patrick Aiello y Drew Dowdle. Fotografía: Léo Hinstin. Música: Max Richter. Montaje: Elliot Greenberg. Diseño de producción: Louise Marzaroli. Vestuario: Annie Bloom. Distribuidora: Universal Pictures.
Stuart Murdoch, líder de la banda escocesa Belle and Sebastian, dirige su primera película: ‘God Help the Girl’, protagonizada por uno de los rostros más bellos y más reconocibles de la nueva generación de Hollywood: la carnal actriz australiana Emily Browning, que impactó hace tres años en Cannes con su sensual y provocador papel en ‘Sleeping Beauty’. En ‘God Help the Girl’, Browning es una joven internada en un hospital que escribe canciones como terapia para superar sus problemas psicológicos. El filme ganó el Premio Especial del Jurado al Mejor Reparto en Sundance y se exhibió en la pasada Berlinale.
El proyecto arrancó hace once años cuando una melodía sacudió la cabeza de Stuart Murdoch mientras había salido a correr: “Podía escucharla entera. Siempre que salía llevaba conmigo papel y boli así que anoté la melodía y al regresar escribí rápidamente la letra de la canción”. No era un tema para Belle and Sebastian, sino algo distinto. “Era la forma en la que me había tocado. Pensé, no, esto no es para el grupo, es otra cosa. Es como si me hubieran hecho este regalito y yo al aceptarlo hubiera dicho, muy bien voy a ver a dónde me lleva esto. Va a ser algo nuevo y divertido”.
La música es esencial en ‘God Help the Girl’, que se estrena solo en España en versión original en quince cines. El filme cuenta con un álbum previo, del mismo título y publicado en junio de 2009, con canciones escritas por Murdoch. ‘God Help the Girl’ tiene otro imprescindible protagonista: Glasgow, la cuna de Belle and Sebastian. Murdoch abre la película con Emily Browning bailando en la Estación Central de Glasgow, conocida como ‘Hielanman’s Umbrella’ por ser el cobijo de los vagabundos cuando la lluvia se apodera de la localidad escocesa. Glasgow, Belle and Sebastian y Emily Browning, una interesante combinación en el debut cinematográfico de Stuart Murdoch.
FICHA TÉCNICA DE ‘GOD HELP THE GIRL’:
Dirección y guion: Stuart Murdoch. País: Reino Unido. Año: 2014. Duración: 111 minutos. Género: Musical. Reparto: Emily Browning (Eve), Olly Alexander (James), Hannah Murray (Cass), Pierre Boulanger (Anton), Cora Bisset (Miss Browning), Sarah Swire (Ballerina) y Mark Radcliffe (Findlay). Producción: Barry Mendel. Fotografía: Giles Nuttgens. Montaje: David Arthur. Diseño de producción: Caroline Grebbell. Vestuario: Denise Coombes. Distribuidora: Avalon.
Don McKellar realiza el remake homónimo de ‘La Gran Seducción’, dirigido por Jean-François Pouliot y que consiguió el Premio del Público Internacional en el Festival de Sundance en el año 2004. McKellar, con una única película anterior, la ya lejana ‘La Última Noche’ (1998), cambia de escenario pero no de argumento. La nueva versión de ‘La Gran Seducción’ se ubica en la paradisíaca Terranova. Un pequeño pueblo costero, Tickel Head, necesita un médico residente para conseguir que una empresa petroquímica se instale en un municipio que vive de los subsidios.
Jean-François Pouliot, en la primera ‘La Gran Seducción’, se situaba también en Terranova, en otra localidad costera llamada Sainte-Marie-La-Mauderne, con los ciudadanos sobreviviendo gracias a las ayudas estatales. La aparición de una fábrica y un médico representan la tabla de salvación del pueblo. Pouliot contó con un reparto desconocido encabezado por Raymond Bouchard, David Boutin y Benoît Brière. Don McKellar disfruta en el remake de ‘La Gran Seducción’ con la presencia del actor irlandés Brendan Gleeson, el inolvidable inmenso compañero de Mel Gibson en ‘Braveheart’ (1995).
El remake de ‘La Gran Seducción’ se presentó en el Festival de Toronto del pasado año. Brendan Gleeson, tras la huida del alcalde de Tickel Head, convence a todos los habitantes del pueblo para conseguir que un joven doctor que va a pasar un mes en el municipio se quede para siempre y la fábrica sea una realidad. Para ello, con mucho humor, no dudarán en pinchar el teléfono al médico y aprender todos los vecinos a jugar al cricket, la gran afición del facultativo.
FICHA TÉCNICA DE ‘LA GRAN SEDUCCIÓN’:
Título original: ‘The Grand Seduction’. Dirección: Don McKellar. País: Canadá. Año: 2013. Duración: 115 minutos. Género: Comedia. Reparto: Taylor Kitsch (Dr. Paul Lewis), Brendan Gleeson (Murray French), Liane Balaban (Kathleen), Gordon Pinsent (Simon), Mark Critch (Henry Tilley), Peter Keleghan (ejecutivo) y Mary Walsh (esposa de Simon). Guion: Ken Scott y Michael Dowse. Producción: Barbara Doran y Roger Frappier. Fotografía: Douglas Koch. Música: Maxime Barzel, Paul-Étienne Côté y François-Pierre Lue. Montaje: Dominique Fortin. Diseño de producción: Guy Lalande. Vestuario: Denis Sperdouklis. Distribuidora: A Contracorriente Films.
Gianfranco Rosi ofrece un retrato contemporáneo de Roma desde la autopista urbana (Grande Raccordo Anulare) de casi setenta kilómetros que la circunda: la GRA. Una media de 160.000 vehículos recorre cada día esta infraestructura. Rosi, en un proyecto que le ha llevado tres años, se centra, con un tono humorístico, en los habitantes que viven en los suburbios de Roma con la GRA en el horizonte: un pescador de anguilas en el Tíber, un conductor de ambulancias, un jardinero que recoge los sonidos de la naturaleza o un aristócrata y su hija que comparten un ‘minipiso’ de alquiler.
“Los primeros ocho meses no encendí casi la cámara. Solo encontraba a la gente, me sentaba y charlaba”, apuntó Rosi en la Mostra de Venecia 2013. ‘Sacro GRA’ consiguió un histórico León de Oro en la Bienal. Nunca antes un documental se había llevado el León de Oro en Venecia. La GRA, “flujo de tráfico ininterrumpido, y las gentes que lo habitan conforman una realidad que demanda atención y consideración. Sus contradicciones sorprenden: un hermano franciscano sacando fotos al cielo en medio del carril de emergencia, rebaños de ovejas pastando a pocos metros de vehículos que circulan a 120 km/h…”, dibuja Rosi.
En definitiva, “mundos en movimiento que se cruzan sin darse cuenta. De día, la GRA es tan solo una plataforma de transporte, pero de noche emerge un mundo de gran complejidad al que solo se puede acceder después del crepúsculo”. El documentalista italiano triunfó en la sección ‘Orizzonti’ (‘Horizontes’) de la Mostra de Venecia 2008 con ‘Bajo el nivel del mar’, con un retrato de los habitantes de Slab City, en pleno desierto de California. Rosi también es conocido por su documental ‘El sicario’ (‘Room 164’), estrenado en 2010, en el que entrevista en una habitación de hotel a un narco mexicano.
FICHA TÉCNICA DE ‘SACRO GRA’:
Dirección y guion: Gianfranco Rosi. País: Italia. Año: 2013. Duración: 93 minutos. Género: Documental. Productor: Marco Visalberghi y Carol Solive. Fotografía: Gianfranco Rosi. Montaje: Jacopo Quadri. Distribuidora: Surtsey Films.
“Estimados amigos, me pueden tildar de paranoico. De paranoico agudo. Pero yo les puedo asegurar que hay un plan organizado para la reducción organizada de la población. Esto viene de arriba, ‘all the way up’. Vos te crees que esto es ‘joda’? Anda a ver ‘Fase 7’ al cine y me vas a decir si soy yo o sos vos el que está loco… Anda comprando alimentos, agua, revistas porno (para mujer y hombre), muñecas inflables, y todo lo que te pueda venir bien para una cuarentena… porque los vas a necesitar!! Ahhh y ojo con el forro de Zanutto que está armado y anda por los pasillos!!”, nos avisa Horacio, uno de los singulares vecinos del inmueble de ‘Fase 7’.
Tres años y medio después de su estreno en Argentina, ‘Fase 7’ llega este viernes a los cines españoles. Una original mezcla entre acción, humor y terror que obtuvo el Premio al Mejor Guion en el Festival de Sitges 2010. Nicolás Goldbart, que se inspira en la epidemia de Gripe A que asustó a medio mundo, escribe y dirige su ópera prima con el uruguayo Daniel Hendler (‘El Abrazo Partido’) y el hispano-argentino Federico Luppi (‘Martin Hache’) como principales actores. Hendler es un treintañero que se muda a un edificio junto con su esposa embarazada de siete meses. Un mortal virus altera su nueva vida. El edificio se pone en cuarentena y los vecinos lucharán entre sí por la supervivencia.
Goldbart, un reconocido montador en el cine argentino, recoge elementos de ‘[REC]’, de Jaume Balagueró y Paco Plaza, y ‘La Comunidad’, de Álex de la Iglesia, pero también de cintas clásicas como ‘La Noche de los Muertos Vivientes’ y ‘The Crazies’, ambas de George A. Romero, ‘¿Quién puede matar a un niño?’, de Narciso Ibáñez Serrador, ‘La Amenaza de Andrómeda’ de Robert Wise, y ‘La Cosa’ de John Carpenter.
FICHA TÉCNICA DE ‘FASE 7’:
Dirección y guion: Nicolás Goldbart. País: Argentina. Año: 2011. Duración: 95 minutos. Género: Acción. Reparto: Daniel Hendler (Coco), Jazmín Stuart (Pipi), Federico Luppi (Zanutto), Yayo Guridi (Horacio), Abian Vainstein (Lange) y Carlos Bermejo (Guglierini). Producción: Sebastián Aloi. Fotografía: Lucio Bonelli. Música: Guillermo Guareschi. Montaje: Pablo Barbieri Carrera y Nicolás Goldbart. Distribuidora: Paycom Multimedia.
Paco Poch Cinema trae a España una de esas joyas cinematográficas que, por avatares de la distribución, cuesta ver en las salas: la película griega ‘Boy Eating the Bird’s Food’, segunda producción de Ektoras Lygizos. Un desconcertante título que esconde un drama social sobre las consecuencias de la vigente crisis económica y social que sacude con saña a Europa con Grecia como uno de los epicentros del fenómeno. Lygizos sigue a un contratenor desempleado que vive en un piso de Atenas, amenazado por un desahucio, casi sin contacto humano y sin alimentos.
‘Boy Eating the Bird’s Food’ contó con un buen recorrido por distintos festivales. Ganó el Giraldillo de Plata del Festival de Cine Europeo de Sevilla del año 2012. Su protagonista, Yannis Papadopoulos, consiguió el Premio al Mejor Actor en la capital sevillana. ‘Boy Eating the Bird’s Food’ fue la candidata griega al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa en 2013. La Academia de Hollywood dejó, sin embargo, a la cinta fuera de las definitivas nominaciones.
FICHA TÉCNICA DE ‘BOY EATING THE BIRD’S FOOD’:
Título original: ‘To agori troei to fagito tou pouliou’. Dirección y guion: Ektoras Lygizos. País: Grecia. Año: 2012. Duración: 80 minutos. Género: Drama social. Reparto: Yannis Papadopoulos, Lila Baklesi, Kleopatra Perraki, Vangelis Kommatas, Kharalambos Goyos. Producción: Ektoras Lygizos, Giorgios Karnavas, Elina Psykou y Argyris Papadimitropoulos. Fotografía: Dimitris Kassimatis. Montaje: Gregory Rentis. Diseño de producción: Konstantinos Kontovrakis. Vestuario: Kleio Boboti. Distribuidora: Paco Poch Cinema.