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Abraham Lincoln por partida doble en 2012: el biopic de Steven Spielberg, previsto para finales de noviembre (después de las elecciones de EEUU, para no insinuar el voto para Obama por ser afroamericano) y esa cosa rara pero intrigante llamada ‘Abraham Lincoln Vampire Hunter’, de Timur Bekmambetov.

Titulada simplemente ‘Lincoln’, la biografía en el cine del 16º presidente de EEUU se centrará en los últimos meses de su vida y con un espléndido reparto: Daniel Day-Lewis será Abraham, con papeletas para ser nominado a los Oscar sólo por ponerse sombrero y barba. Le acompañan Sally Field como su esposa, Mary Todd; Tommy Lee Jones como Thaddeus Stevens –un líder republicano y congresista para Pensilvania– y Joseph Gordon-Levitt como el joven hijo del presidente. El guión nace de un libro de Doris Kearns titulada ‘Team of rivals’, y corre a cargo del mismo guionista que tuvo Spielberg para ‘Munich’, Tony Kushner.

Y en el otro lado del ring, Bekmambetov y su particular versión del cazavampiros presidencial. Su origen está en la novela de Seth Grahame-Smith, que también firma el guión. Benjamin Walker protagoniza a Abraham Lincoln, quien en la novela y película tiene una identidad secreta como cazador de vampiros, forjada por el asesinato de su abuelo por uno de ellos. Le acompañan Dominic Cooper, Anthony Mackie, Robin McLeavy, Mary Elizabeth Winstead, Alan Tudyk, Rufus Sewell, Laura Cayouette, Erin Wasson y John Rothman. El detalle de esta ida de olla que mezcla lo que no pega está en su productor: Tim Burton.

Tim Burton está más que obsesionado con dos cosas en la pantalla: el goticismo estético y los perros. La suma de ambas fue un cortometraje de su etapa inicial llamado ‘Frankenweenie’ que ahora aprovecha, ya mayor, adulto y maduro, para hacer otra película de animación para 2012.

Verá la luz el año que viene con toda probabilidad, pero ya se han colado varias imágenes desde octubre para acá. Burton ya pasa un poco de la industria, mucho más después de recuperar su buen toque con el público con su versión de Alicia en el País de las Maravillas: la industria comprendió que es más raro que un perro verde, pero que tiene algo que enamora a los niños, a los padres y a todo aquel con algo de poesía en las venas. Para congraciarse también con los burtonmaníacos ha resucitado, nunca mejor dicho, aquel cortometraje, basado en la historia de un niño que intenta devolver a la vida a su amado perro como en el ‘Frankenstein’ de Mary Shelley.

Actualmente, Burton prepara su visión de “Dark Shadows”, adaptación del programa de televisión homónimo y, mientras queda lista la post-producción, continúa con su proyecto más esperado. El producto original se engrasó con dinero de la Disney y algunas cortapisas de la casa del ratón más ñoño imaginable. Eso fue en 1984. Ahora Tim es un dios del género y le han dado carta blanca para que sea más perro verde que nunca. La tecnología es la misma que en ‘Pesadilla antes de Navidad’ y ‘La novia cadáver’, el stop-motion, pero aquí en 3D, y en blanco y negro. La tecnología más antigua del cine con la más moderna. A ver qué sale.

Corren malos tiempos para el cine: todo son remakes o variantes más o menos mediocres de los telefilmes de sobremesa (‘Maktub’) que había antes de que aparecieran las series de TV en su nueva etapa. Esta semana, quitando ‘The Artist’, de la que ya hablamos, es muy posible que sea de las peores. Todo son taquillazos de los que no hay ganas de hablar: la tercera parte de ‘Alvin y las ardillas’, otra secuela más de ‘Misión Imposible’… y más remakes.

Nos reservamos el derecho a no hablar de ciertas películas y poner el foco en otra, una reconstrucción de ‘Perros de paja’, el clásico del profeta de la violencia en el cine, Sam Peckinpah. La película que en su día encumbrara a Dustin Hoffman sería hoy una más de las muchas vendettas de pequeños hombres contra violentos paletos de pueblo. Cada obra tiene su momento y su lugar, y alcanzan muchas veces su condición de clásicos cuando dos generaciones después, o una simplemente, sigue teniendo vigencia. La original la tiene, pero el remake de Rod Lurie, con James Marsden, Kate Bosworth y Alexander Skarsgard (el vampiro nórdico de ‘True Blood’) es otro ejercicio más de una factoría de sueños que ya se desliza hacia la mediocridad a marchas forzadas. Y eso va por Hollywood. Es de lo poco destacable, porque la semana es mala, mala, mala… tanto como para intentar ir a ver ‘The Artist’ y redescubrir el cine mudo en clave moderna.

SINPOSIS: David Sumner y su mujer actriz Amy se mudan juntos al pueblo natal de ésta en el sureste de Estados Unidos, después de la muerte del padre de Amy. Su plan es reparar y vender la casa de la familia mientras que David aprovecha la tranquilidad del lugar para terminar el guion en el que está trabajando. La pareja pasa por una crisis y la tensión va haciendo mella en su matrimonio, al tiempo que surgen viejos conflictos con algunos habitantes, sobre todo con el ex novio de Amy, Charlie, quien junto con sus amigos del pueblo acaba cruzando los límites de la tolerancia de David y del matrimonio Sumner. Todo desencadenará en una serie de acontecimientos que les llevará a una confrontación tremendamente violenta, intensificándose hasta llegar a un clímax catastrófico y terrible que destrozará la vida de todos los involucrados.

Un tema atemporal como pocos es el tratamiento de la guerra en el cine y la TV, un género que ha vivido una auténtica segunda época gloriosa en los años 90 y en esta primera década, cuando la Segunda Guerra Mundial se convirtió en el espejo para el talento de americanos y alemanes, cada uno por su lado, para retratar el horror del peor conflicto bélico imaginable.

Por Luis Cadenas Borges

Las relaciones entre el cine y la guerra siempre fueron muy intensas: por interés y por épi­ca, por motivacio­nes, por motivos tan diversos como ganar dinero o por di­fundir un mensaje. Y de todas las luchas, quizás la Segunda Guerra Mundial (WWII en el argot) haya sido de largo la más escenificada, la que más veces ha llegado al celuloide, por haber sido la piedra de toque de toda nuestra civili­zación, el punto de inflexión del mundo moderno y, des­de luego, el conflicto bélico más grande de la Historia. Sin querer entrar en detalles históricos y políticos, lo vital y fundamental de lo ocurrido entre 1939 y 1945 es el antes y el después de nuestro mundo, porque marca muchas cosas: la caída de Europa y el auge de EEUU, el ascenso del co­munismo planetario, la con­solidación de la dictadura so­viética, la descolonización, la sociedad del bienestar estatal, el capitalismo posmoderno, la sociedad del consumo, la revolución informática, la im­plantación de la democracia como sistema político final al que tender… Mucho, tanto que sería absurdo resumirlo. Pero el cine sí que lo ha retra­tado, y en los últimos tiempos con una humanidad inmensa.

Así que me centro en el cine, y más concretamente en el cine hecho para televisión, y sobre todo, en las cuatro olas de pasión cinematográfica por la Segunda Guerra Mundial. La primera ya sucedió duran­te la propia guerra, como en el caso de ‘Casablanca’ u ‘Ob­jetivo Birmania’, por poner dos ejemplos conocidos. En este cine bélico pretérito lo que valía era la propaganda, la visión polarizada de quién, cómo, por qué y para qué lu­chaban los Aliados; y digo los Aliados porque el cine nazi y soviético no ha salido de los márgenes marcados. La segun­da fase abarcó los años 50 y 60, la época dorada de la WWII y el cine, cuando se acumularon cientos de películas alrededor de todos los momentos cum­bre. Era un cine épico, doloro­so pero que se amoldaba bien al espíritu narrativo de buenos contra malos, o cuando me­nos, del heroísmo. Aquí ya era más importante la aventura y la acción que el mensaje. En los años 70 el atractivo residía más en la versión ácida y rea­lista del conflicto, y películas como ‘Los violentos de Kelly’, ‘Doce del Patíbulo’, pero so­bre todo ‘La Cruz de Hierro’, dejaron la huella del pesimis­mo, la denuncia y la visión sin polarizaciones. Quizás ‘La Piel’, sobre la ocupación americana de Roma, sea el fil­me definitivo que despoja de toda épica y heroicidad a las acciones de guerra.

Esa sucie­dad moral dejó seco el dique durante años, porque los 80 y parte de los 90 fueron los años de Vietnam. No sería hasta finales de siglo y esta primera década cuando Steven Spiel­berg, con una carga ideológica muy clara, y la irrupción del cine bélico alemán en demo­cracia, cuando surgió la cuarta ola, y quizás la más equilibra­da. Aquí los hombres y muje­res luchan por su patria, por sus principios, porque les obli­gan… todos los motivos y có­digos morales se circunscriben a las circunstancias, los solda­dos son vistos como peones de un juego que no controlan, de unos retos impuestos a los que deben sobrevivir. Ese hu­manismo late en ‘Salvad al soldado Ryan’, en ‘Enemigo a las puertas’, en ‘Windtalkers’, ‘Banderas de nuestros padres’ y su hermana japonesa, ‘Car­tas desde Iwo Jima’, ‘Creado­res de sombra’ o la primera con sello germánico, ‘Das Boot’ (El submarino). Filmes como ‘La lista de Schindler’ también escarbaron en el Ho­locausto desde otro punto de vista, y Spielberg, con ésta y con la primera mencionada, marcaron el nuevo rumbo de ese cine bélico, de la segun­da edad de oro del matrimo­nio WWII-celuloide, y que, menuda ironía, ha alcanzado las mejores cotas de calidad y humanismo en la televisión de pago, y en Alemania.

A un lado del charco están ‘Band of Brothers’ (Hermanos de San­gre) y ‘The Pacific’, dos subli­mes construcciones episódicas donde, como dijo comentó un espectador, “ya no hay la sa­tisfacción de la aventura, que termina bien, sino que es una realidad desoladora porque ves caer uno tras otro a los personajes”. Aquí sólo está la guerra, en toda su crudeza, bondad o maldad son cuestiones casi adaptativas, meros detalles secundarios del principio fundamental, que no es otro que sobrevivir o llegar hasta el final con los deberes con­traídos. Hay un cierto fatalis­mo en el cual el ser humano se redime, bien con el sacri­ficio de la vida o ayudando a los demás. Y esto sólo se logra por una razón: han pasado ya 70 años y todas las diferencias son relegadas a un plano del contexto histórico. Sólo así se entiende que los alemanes hayan creado joyas únicas como la visceral ‘El Hun­dimiento’, la onírica y casi fantástica ‘El ogro’ o la des­corazonadora ‘Stanlingrad’, y que hayan iluminado el mun­do con su magia. Tres obras maestras que demuestran que Alemania purga sus pecados, los exorciza de tal manera que se conecta con el mundo en un abrazo donde el séptimo arte hace de herramienta de salvación.