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El Museo del Prado sigue usando su gigantesca capacidad para exprimirse a sí mismo, esos fondos que parecen no tener fin, unido todo a una inteligente política de préstamo y exhibición que le ha convertido en una de las principales pinacotecas del mundo. La nueva vuelta de tuerca es ‘Roma. Naturaleza e Ideal (Paisajes1600-1650)’, que recoge el nacimiento de la primera variante doméstico y burguesa al omnipresente arte religioso, y que fue inaugurada hace no mucho.

Muestra de 83 obras pictóricas y 19 dibujos reunidos por una larga labor de préstamo de instituciones y privados y con el fin de crear una vía al espectador para que conozca el nacimiento y desarrollo de eso llamado paisajismo clásico, y con la ciudad de Roma al frente, cuando todavía era la gran mecenas mundial del arte, meca de todo tipo de artistas de todos los rincones de Europa para admirar las ruinas romanas. Del Foro al Coliseo, eran los principales puntos de retrato para los pintores, si bien la exposición se encamina por otro lado: todo esta descontextualizado, es decir, escenas bíblicas con trajes del año 1620 y campiñas típicas de Italia o Flandes, un melting-pot artístico que hace sonreír por la candidez.

Los artistas se interesaban esencialmente por las figuras bíblicas y mitológicas, por los grandes monumentos romanos y los paisajes holandeses. Mezclen todos los ingredientes y se toparán con el desarrollo del género del paisaje, uno de los más importantes de la historia de la pintura. En la lista aparecen Annibale Carracci, Paul Bril, Claudio de Lorena, el inmenso Nicholas Poussin (uno de los preferidos del Prado y que aporta muchas piezas, como la polémica ‘Ninfa y sátiros’, quizás el primer cuadro sobre la masturbación femenina conocido) o el mismísimo Velázquez.

Comisario: Andrés Úbeda de los Cobos, Jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa, Museo Nacional del Prado

Organizan: Museo Nacional del Prado, la Rmn-Grand Palais (París), y el Musée du Louvre, Paris

Horario: De 9.00 a 20.00 horas, de martes a domingos (incluidos festivos). Cerrado: todos los lunes (incluidos festivos) y los días 25 de diciembre, 1 de enero, Viernes Santo y 1 de mayo. Días con horario reducido de apertura, de 9.00 a 14.00 h: 24 de diciembre, 31 de diciembre y 6 de enero.

Tarifas: 10 euros la general, 5 euros la reducida. Con ellas se tiene acceso completo.

Aunque recientemente ya hablamos de su exposición veraniega en el Reina Sofía, recuperamos a este gran autor “salvaje” que más de una vez expuso en establos. Siempre al margen de todo.

Fechas: 18 de mayo – 5 de septiembre de 2011

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Comisariado: Lynne Cooke

Organización: Museo Reina Sofía

Nacido en el estado de Idaho (1899-1977), James Castle vivió al margen del mundo del arte: su producción artística, concentrada en dibujos con saliva y hollín, construcciones de cartulinas coloreadas adheridas con cuerdas y libros realizados a mano no poseen título, ni fecha, ni indicación que revele cronología alguna. La incógnita que supone esta técnica heterodoxa y la alteración de las herramientas de clasificación artística, queda subrayada por el hecho de que nunca concedió ninguna entrevista ni realizó comentario alguno que aclarara su obra.

La enorme producción artística de Castle fue conservada gracias a su cuidadosa y obsesiva perseverancia, lo cual no deja de resultar extraño en un artista que nunca demostró especial querencia por el mundo del arte profesional. Su reconocimiento se produjo ya en los noventa de la mano de nociones como arte marginal, las cuales potenciaban lo biográfico por encima de las cualidades propias de su obra. Su personalidad, su sordera y el hecho de que fuera prácticamente analfabeto fueron factores importantes que intervinieron en la atención que generó como artista salvaje-naïve de mediados del siglo XX. Sin embargo, su obra refleja un especial interés por las posibilidades de la representación visual contemporánea: su tendencia hacia la esquematización y el diseño de sus dibujos, la dimensión siniestra de sus objetos tan cotidianos y foráneos al mismo tiempo, o el interés por representar fragmentos arquitectónicos como si se trataran de proyecciones del organismo humano revelan unas cualidades alternativas al régimen visual de la segunda mitad del siglo XX.

Del mismo modo, una de las cualidades más importantes en la obra de Castle era la presentación que él mismo hacía de sus obra en espacios improvisados, como graneros abandonados, donde distribuía las obras con informal organización para la visita de familiares e invitados. La disposición de las obras en espacios familiares también eran objeto de algunos de sus dibujos gracias a los cuales se refleja que la teatralidad de la representación visual era un asunto de extrema importancia en su obra, algo en lo que curiosamente coincidía con los intereses de las tendencias más avanzadas del momento como el minimalismo.

Fusión entre la literatura, la poesía y el cómic. La editorial El Jinete Azul consigue en ‘La cruzada de los niños’ un maridaje perfecto entre el drama y la sobriedad aunando el poema de Bertolt Brecht y las ilustraciones de Carme Solé. Con cuarenta páginas y un precio de 18 euros, esta obra recupera toda su fuerza poética a partir de la obra de Brecht fechada en 1939, y que en manos de la pintora no aplasta la letra por la imagen.

El alemán cuenta en este largo poema narrativo la historia de un perro y 55 niños (de diferentes clases sociales, razas y religiones) que emprenden una huida sin final. Escapan de la guerra, de la ocupación nazi de Polonia, de fantasmas, del hambre… Tristeza, historia y realidad con un lirismo marca de fábrica de uno de los grandes escritores del siglo XX, rebelde contra el fascismo desde el principio. Todo marcada por el omnipresente blanco y negro que le dan una fuerza todavía mayor al contenido. “Fue en Polonia, el treinta y nueve, / donde una invasión sangrienta / convirtió en agreste tierra / muchas de sus ciudades y aldeas…”.

‘En el laberinto’ es la nueva exposición de Àngels Ribé (Barcelona, 1943) que presenta el MACBA (hasta el 23 de octubre) y abarca un periodo de su trabajo comprendido entre 1969 y 1984. En este periodo, la función asociativa o simbólica del arte se renegocia: la obra de arte deja de ser un ente autónomo tal y como había sido concebida por la tradición moderna, y su significado depende ya del intercambio con el espectador; así, desvela la ambigüedad y la multiplicidad de referencias y lecturas que son parte intrínseca de la misma. Àngels Ribé inicia su actividad artística dentro de estos parámetros, y consolida un lenguaje propio que tiene continuidad hasta hoy a través de distintos soportes y medios.

EN EL LABERINTO

Àngels Ribé 1969-1984

15 julio – 23 octubre 2011 
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Exposición comisariada por Teresa Grandas

www.macba.cat

Os recordamos que en paralelo a la web de El Corso hay un blog de opinión que se renueva cada dos días, Corso Expresso, y en el que se exponen temas en relación con la revista, la propia web o de otros temas relacionados con la cultura. Igualmente estamos presentes en Facebook (Revista El Corso) y en Twitter (@elcorso), una buena forma de descubrir nuestros contenidos, que publicamos a diario. También os recordamos que quien desee colaborar sólo tiene que escribirnos a info@elcorso.es

Con el largo nombre de ‘La arquitectura y el arte de la vanguardia soviética de las décadas de 1920 y 1930’, CaixaForum Madrid (Paseo del Prado, 36) aborda uno de los períodos más excepcionales de la historia de la arquitectura occidental, experimental y vanguardista, el que va desde los años previos a la Revolución de Octubre hasta la fundación de la URSS. Los artistas plásticos y arquitectos se unieron para crear el nuevo arte, una forma diferente de entender las formas del arte más antiguo, todos bajo el paraguas comunista para crear la perfecta sociedad socialista. Hasta que las realidades del poder despótico se impusieron por el estilo “Stalin” tan característico y horrendo. En esos años revolucionarios surgieron creadores como Konstantin Melnikov y Moisei Ginsburg, Liubov Popova, Vladimir Tatlin, Kazimir Malevich, El Lissitzky o Gustav Klucis.

La exposición, abierta todo el verano en el edificio del Paseo del Prado, exhibe un total de 250 obras entre fotografías de archivo de edificios (1920-1930), dibujos, pinturas y maquetas de la Colección Costakis del Museo Estatal de Arte Contemporáneo de Tesalónica y una selección de fotografías en color y de gran formato del fotógrafo británico Richard Pare. Horario: De lunes a domingo, de 10 a 20 h. Los jueves, de 10 a 22 horas.

En el último número de la revista ‘El Corso’ abordamos uno de los museos más peculiares de España, el que ha creado el periódico ABC a partir de sus fondos de dibujo, caricatura y diseño. Para este verano abre sus puertas en busca de una nueva lista de actividades y de exposiciones, para darle más entidad a una institución enclavada en pleno corazón de Madrid (Amaniel, 29-31 Madrid
. Tel: 91 758 83 79 
www.museoabc.es). Con la entrada libre (de martes a sábado de 11.00 a 20.00 horas, los domingos de 10.00 a 14.00 horas), la programación incluye exposiciones como ‘Madrid y no sólo Madrid. Cuadernos de viaje’ (inaugurada hoy mismo hasta el 25 de septiembre), que propone hacer un viaje paralelo, de puro verano, pero con la imaginación, y con el que poder recorrer ciudades y países a los que es difícil arribar, desde el Caribe al Norte de África. También ‘Ornamento y Detonación’, de Santiago Morilla, del que ya hablamos en el último reportaje, y que estará abierta hasta el 18 de septiembre. Y finalmente, ‘Saltar la página. De Velázquez a Canogar, 20 años de ABC Cultural’. La cultura, en todas sus disciplinas, salta de las páginas del suplemento a la sala de exposiciones. Del papel a la realidad. De lo bidimensional a lo tridimensional. Hasta el 9 de octubre.

Los fondos de la Fundación Mapfre ven la luz con las fotos de Eugène Atget, el fotógrafo francés que retrató la urbe francesa del primer cuarto de siglo XX, embellecidos tiempos de vanguardias encumbradas, pero de las que él se alejó conscientemente para ser un fotógrafo adelantado a su tiempo y ejercer de simple cronista urbano, a veces casi deshumanizado, alejado de la bohemia y la vida nocturna con que se conoce el periodo dominado por Man Ray, Le Corbusier, Picasso y el resto de “ismos” que hicieron grande la ciudad y su tiempo, dejando de lado a los testigos formalistas y mudos del otro París que no vivía colgado de los pinceles. ‘Eugène Arget. París, 1898-1924’ se podrá contemplar hasta el 27 de agosto en la sede del Paseo de Recoletos.

Segunda entrega de las exposiciones del Museo Nacional Reina Sofía para este verano.

Lygia Pape. Espacio imantado

Fechas: 25 de mayo – 3 de octubre de 2011

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

La obra de Lygia Pape (Nova Friburgo, 1927 — Río de Janeiro, 2004) se caracteriza por su singularidad y constante mutación, buscando integrar las esferas ética, estética y política. Su abandono de la geometría concreta y fundación del neoconcretismo en 1959 se considera el inicio del arte contemporáneo brasileño. Guiada por la idea de la escritura de un libro imposible, esta exposición recoge los intentos de la artista por buscar un lenguaje que recoja un nuevo orden sensible.

Yayoi Kusama

Fechas: 11 de mayo – 12 de septiembre de 2011

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1

La artista japonesa Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) desempeña un rol crucial en el arte de posguerra desde una posición excéntrica. De un lado, se aproxima al pop, a los nuevos realismos y al feminismo en sus instalaciones y faceta pública; de otro, su empleo de la repetición, del monocromo y de la retícula tienen que ver a la vez con la obsesión y la enfermedad mental. Esta exposición muestra a Kusama como una artista irreductible y esencial en las nuevas narraciones globales del arte contemporáneo.

Leon Golub

Fechas: 6 de mayo – 12 de septiembre de 2011

Lugar: Palacio de Velázquez, Parque del Retiro

Frente al predominio de la pintura como medio autónomo y puramente visual en la posguerra, Leon Golub (Chicago, 1922-2004) implica un movimiento a contracorriente en Estados Unidos. Esta retrospectiva incluye dibujos y pinturas que demuestran el valor de lo pictórico como expresión narrativa y simbólica de las relaciones sociopolíticas y los efectos del poder en la sociedad contemporánea. La pintura de Golub, entre lo figurativo y lo grotesco, explora la violencia y la opresión usando el cuerpo como signo de identidad.

Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939

Fechas: 6 de abril – 22 de agosto de 2011

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

El movimiento de la fotografía obrera constituye un capítulo difícil y pendiente en la historia de la fotografía, un “eslabón perdido” en la articulación de la modernidad fotográfica del siglo XX. Esta exposición pretende subsanar tal carencia, reclamando la centralidad del movimiento en los debates fotográficos de entreguerras, así como en las prácticas documentales que inauguran la cultura visual moderna y, en especial, incidiendo en su importancia en la constitución de la noción moderna de documento fotográfico.

Damos un pequeño repaso a las exposiciones que para este verano se mantienen abiertas para visita en el Museo Nacional Reina Sofía, el gran totem del arte contemporáneo “oficial” en Madrid. Junto con la colección permanente, son el gran atractivo que se complementa con la larga lista de galerías de arte de la capital. Lo haremos en dos post consecutivos. Aquí va la primera entrega.

Elena Asins. Fragmentos de la memoria

Fechas: 15 de junio – 31 de octubre de 2011

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Miembro originario del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, la obra de Elena Asins (Madrid, 1940) se circunscribe tradicionalmente en los procesos normativos y matemáticos de la abstracción geométrica. Este rigor compositivo y controlado muestra, no obstante, un proceso de claridad y depuración radical, en el que la retícula, en sus vacíos y sutiles variaciones secuenciales, ejemplifica la búsqueda de un sistema subyacente, una geometría sensible y controlada a la vez.

Leonor Antunes. 
camina por ahí. mira por aquí / walk around there. look through here

Fechas: 10 de junio – 5 de septiembre de 2011

Lugar: Programa Fisuras. Edificio Sabatini, Planta 3

Las intervenciones escultóricas de Leonor Antunes (Lisboa, 1972) se caracterizan por construir su propio significado, careciendo de alusiones documentales y metafóricas. Su trabajo, en la propia dimensión formal y física de la escultura, trata de la medida y codificación del tiempo espacio y de cómo ésta, sin embargo, lejos de ser fenomenológica, depende de referencias culturales e ideológicas. La escultura se revela como obra, pero también como herramienta para interpretar la naturaleza contingente de lo real.

Maja Bajevic. Continuará

Fechas: 27 de mayo – 3 de octubre de 2011

Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Retiro

Maja Bajevic (Sarajevo, 1967) fundamenta su trabajo en una revisión poética y sutil de las fracturas sociales e históricas, en la que implica la toma de conciencia del espectador como agente o público. Un trabajo en el que se analiza la relación entre violencia, poder y construcción identitaria, se reflexiona sobre el impacto que tienen los conflictos políticos y sociales en la vida cotidiana y se plantea la necesidad (y también dificultad) de ponerse en el lugar del otro.

James Castle. Mostrar y almacenar

Fechas: 18 de mayo – 5 de septiembre de 2011

Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

Primitivo, outsider, vernacular o visionario han sido algunos de los términos utilizados para definir la complejidad de James Castle (Idaho, 1900-1977). El artista transcurre su vida en el Idaho rural, inventando su propia técnica artística en la factura de ensamblajes totémicos, dibujos y libros cercanos al palimpsesto. Esta exposición busca abandonar el aparato crítico con el que se (mal)interpreta el arte de los enfermos mentales y mostrar la obra de Castle como una visión fracturada del mundo.