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Tim Burton está más que obsesionado con dos cosas en la pantalla: el goticismo estético y los perros. La suma de ambas fue un cortometraje de su etapa inicial llamado ‘Frankenweenie’ que ahora aprovecha, ya mayor, adulto y maduro, para hacer otra película de animación para 2012.

Verá la luz el año que viene con toda probabilidad, pero ya se han colado varias imágenes desde octubre para acá. Burton ya pasa un poco de la industria, mucho más después de recuperar su buen toque con el público con su versión de Alicia en el País de las Maravillas: la industria comprendió que es más raro que un perro verde, pero que tiene algo que enamora a los niños, a los padres y a todo aquel con algo de poesía en las venas. Para congraciarse también con los burtonmaníacos ha resucitado, nunca mejor dicho, aquel cortometraje, basado en la historia de un niño que intenta devolver a la vida a su amado perro como en el ‘Frankenstein’ de Mary Shelley.

Actualmente, Burton prepara su visión de “Dark Shadows”, adaptación del programa de televisión homónimo y, mientras queda lista la post-producción, continúa con su proyecto más esperado. El producto original se engrasó con dinero de la Disney y algunas cortapisas de la casa del ratón más ñoño imaginable. Eso fue en 1984. Ahora Tim es un dios del género y le han dado carta blanca para que sea más perro verde que nunca. La tecnología es la misma que en ‘Pesadilla antes de Navidad’ y ‘La novia cadáver’, el stop-motion, pero aquí en 3D, y en blanco y negro. La tecnología más antigua del cine con la más moderna. A ver qué sale.

Corren malos tiempos para el cine: todo son remakes o variantes más o menos mediocres de los telefilmes de sobremesa (‘Maktub’) que había antes de que aparecieran las series de TV en su nueva etapa. Esta semana, quitando ‘The Artist’, de la que ya hablamos, es muy posible que sea de las peores. Todo son taquillazos de los que no hay ganas de hablar: la tercera parte de ‘Alvin y las ardillas’, otra secuela más de ‘Misión Imposible’… y más remakes.

Nos reservamos el derecho a no hablar de ciertas películas y poner el foco en otra, una reconstrucción de ‘Perros de paja’, el clásico del profeta de la violencia en el cine, Sam Peckinpah. La película que en su día encumbrara a Dustin Hoffman sería hoy una más de las muchas vendettas de pequeños hombres contra violentos paletos de pueblo. Cada obra tiene su momento y su lugar, y alcanzan muchas veces su condición de clásicos cuando dos generaciones después, o una simplemente, sigue teniendo vigencia. La original la tiene, pero el remake de Rod Lurie, con James Marsden, Kate Bosworth y Alexander Skarsgard (el vampiro nórdico de ‘True Blood’) es otro ejercicio más de una factoría de sueños que ya se desliza hacia la mediocridad a marchas forzadas. Y eso va por Hollywood. Es de lo poco destacable, porque la semana es mala, mala, mala… tanto como para intentar ir a ver ‘The Artist’ y redescubrir el cine mudo en clave moderna.

SINPOSIS: David Sumner y su mujer actriz Amy se mudan juntos al pueblo natal de ésta en el sureste de Estados Unidos, después de la muerte del padre de Amy. Su plan es reparar y vender la casa de la familia mientras que David aprovecha la tranquilidad del lugar para terminar el guion en el que está trabajando. La pareja pasa por una crisis y la tensión va haciendo mella en su matrimonio, al tiempo que surgen viejos conflictos con algunos habitantes, sobre todo con el ex novio de Amy, Charlie, quien junto con sus amigos del pueblo acaba cruzando los límites de la tolerancia de David y del matrimonio Sumner. Todo desencadenará en una serie de acontecimientos que les llevará a una confrontación tremendamente violenta, intensificándose hasta llegar a un clímax catastrófico y terrible que destrozará la vida de todos los involucrados.

Un tema atemporal como pocos es el tratamiento de la guerra en el cine y la TV, un género que ha vivido una auténtica segunda época gloriosa en los años 90 y en esta primera década, cuando la Segunda Guerra Mundial se convirtió en el espejo para el talento de americanos y alemanes, cada uno por su lado, para retratar el horror del peor conflicto bélico imaginable.

Por Luis Cadenas Borges

Las relaciones entre el cine y la guerra siempre fueron muy intensas: por interés y por épi­ca, por motivacio­nes, por motivos tan diversos como ganar dinero o por di­fundir un mensaje. Y de todas las luchas, quizás la Segunda Guerra Mundial (WWII en el argot) haya sido de largo la más escenificada, la que más veces ha llegado al celuloide, por haber sido la piedra de toque de toda nuestra civili­zación, el punto de inflexión del mundo moderno y, des­de luego, el conflicto bélico más grande de la Historia. Sin querer entrar en detalles históricos y políticos, lo vital y fundamental de lo ocurrido entre 1939 y 1945 es el antes y el después de nuestro mundo, porque marca muchas cosas: la caída de Europa y el auge de EEUU, el ascenso del co­munismo planetario, la con­solidación de la dictadura so­viética, la descolonización, la sociedad del bienestar estatal, el capitalismo posmoderno, la sociedad del consumo, la revolución informática, la im­plantación de la democracia como sistema político final al que tender… Mucho, tanto que sería absurdo resumirlo. Pero el cine sí que lo ha retra­tado, y en los últimos tiempos con una humanidad inmensa.

Así que me centro en el cine, y más concretamente en el cine hecho para televisión, y sobre todo, en las cuatro olas de pasión cinematográfica por la Segunda Guerra Mundial. La primera ya sucedió duran­te la propia guerra, como en el caso de ‘Casablanca’ u ‘Ob­jetivo Birmania’, por poner dos ejemplos conocidos. En este cine bélico pretérito lo que valía era la propaganda, la visión polarizada de quién, cómo, por qué y para qué lu­chaban los Aliados; y digo los Aliados porque el cine nazi y soviético no ha salido de los márgenes marcados. La segun­da fase abarcó los años 50 y 60, la época dorada de la WWII y el cine, cuando se acumularon cientos de películas alrededor de todos los momentos cum­bre. Era un cine épico, doloro­so pero que se amoldaba bien al espíritu narrativo de buenos contra malos, o cuando me­nos, del heroísmo. Aquí ya era más importante la aventura y la acción que el mensaje. En los años 70 el atractivo residía más en la versión ácida y rea­lista del conflicto, y películas como ‘Los violentos de Kelly’, ‘Doce del Patíbulo’, pero so­bre todo ‘La Cruz de Hierro’, dejaron la huella del pesimis­mo, la denuncia y la visión sin polarizaciones. Quizás ‘La Piel’, sobre la ocupación americana de Roma, sea el fil­me definitivo que despoja de toda épica y heroicidad a las acciones de guerra.

Esa sucie­dad moral dejó seco el dique durante años, porque los 80 y parte de los 90 fueron los años de Vietnam. No sería hasta finales de siglo y esta primera década cuando Steven Spiel­berg, con una carga ideológica muy clara, y la irrupción del cine bélico alemán en demo­cracia, cuando surgió la cuarta ola, y quizás la más equilibra­da. Aquí los hombres y muje­res luchan por su patria, por sus principios, porque les obli­gan… todos los motivos y có­digos morales se circunscriben a las circunstancias, los solda­dos son vistos como peones de un juego que no controlan, de unos retos impuestos a los que deben sobrevivir. Ese hu­manismo late en ‘Salvad al soldado Ryan’, en ‘Enemigo a las puertas’, en ‘Windtalkers’, ‘Banderas de nuestros padres’ y su hermana japonesa, ‘Car­tas desde Iwo Jima’, ‘Creado­res de sombra’ o la primera con sello germánico, ‘Das Boot’ (El submarino). Filmes como ‘La lista de Schindler’ también escarbaron en el Ho­locausto desde otro punto de vista, y Spielberg, con ésta y con la primera mencionada, marcaron el nuevo rumbo de ese cine bélico, de la segun­da edad de oro del matrimo­nio WWII-celuloide, y que, menuda ironía, ha alcanzado las mejores cotas de calidad y humanismo en la televisión de pago, y en Alemania.

A un lado del charco están ‘Band of Brothers’ (Hermanos de San­gre) y ‘The Pacific’, dos subli­mes construcciones episódicas donde, como dijo comentó un espectador, “ya no hay la sa­tisfacción de la aventura, que termina bien, sino que es una realidad desoladora porque ves caer uno tras otro a los personajes”. Aquí sólo está la guerra, en toda su crudeza, bondad o maldad son cuestiones casi adaptativas, meros detalles secundarios del principio fundamental, que no es otro que sobrevivir o llegar hasta el final con los deberes con­traídos. Hay un cierto fatalis­mo en el cual el ser humano se redime, bien con el sacri­ficio de la vida o ayudando a los demás. Y esto sólo se logra por una razón: han pasado ya 70 años y todas las diferencias son relegadas a un plano del contexto histórico. Sólo así se entiende que los alemanes hayan creado joyas únicas como la visceral ‘El Hun­dimiento’, la onírica y casi fantástica ‘El ogro’ o la des­corazonadora ‘Stanlingrad’, y que hayan iluminado el mun­do con su magia. Tres obras maestras que demuestran que Alemania purga sus pecados, los exorciza de tal manera que se conecta con el mundo en un abrazo donde el séptimo arte hace de herramienta de salvación.

En plena era del 3D, de la digitalización absoluta, de la tiranía de la tecnología aplicada al mundo audiovisual, llegaron los franceses y le rompieron el ritmo al mundo con ‘The Artist’, una película muda que nada contracorriente y tiene mucha pinta de ser candidata a los Oscar. Eso sí, bajo bandera francesa. Hoy se presentó en España para ser parte de los estrenos de esta semana. Dirección y guión: Michel Hazanavicius. Actores: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman.

Lo cierto es que la película ha tirado también de su brazo americano, concretamente de la Weinstein Company, productora que está detrás de muchos de los éxitos de los años 90 y esta primera década del siglo, como por ejemplo ‘El paciente inglés’ o ‘Chicago’. El tándem formado por el director Michel Hazanavicius y el actor Jean Dujardin ya habían creado con bastante éxito en Francia la serie de películas ‘OSS 117’, una parodia de James Bond de ambiente y estética sesentera. Pero ahora el salto mortal es nuevo y vuelan al Hollywood de los años 20.

La película cuenta la historia de George Valentin (Rodolfo Valentino con nombres americanizado), una estrella del cine mudo de éxito que ve cómo su mundo se viene abajo al llegar el cine sonoro. Queda relegado al olvido en paralelo al ascenso meteórico de una antigua extra y actriz de reparto que sube como la espuma por el cambio de tipo de cine. Su gran estreno mundial es este viernes aunque ya se ha podido ver en multitud de proyecciones especiales y festivales. Y allí por donde ha pasado se ha llevado premios, tanto en Cannes como en Nueva York. En ese camino se incluye la senda de los Oscar por su gran originalidad.

El cine británico se ha sacado de la manga otra de las genialidades del festi­val: ‘Attack the Block’.

La española ‘Chico & Rita’, de Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando, se ha alzado con el galardón a la mejor película de animación en la gala de los Premios Europeos del Cine, que se celebran en la capital germana. El filme competía con ‘Une vie de chat’ (Un gato en París), de Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli, y ‘Le chat du rabbin’ (El gato del rabino), de Joann Sfar y Antoine Delesvaux.

En el resto de nominaciones y premios, la cineasta danesa Susanne Bier fue distinguida hoy en Berlín con el premio al mejor director por su cinta ‘Haevnen’ (‘En un mundo mejor’).
También optaban a este galardón los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, por ‘Le gamin au vélo’ (‘El niño de la bicicleta’), el finlandés Aki Kaurismäki, por ‘Le Havre’, el húngaro Béla Tarr, por ‘The Turin Horse’ (‘El caballo de Turín’) y el danés Lars von Trier, por ‘Melancholia’ (‘Melancolía’).

El actor británico Colin Firth fue distinguido con el galardón al mejor actor por su interpretación en ‘The King’s Speech’ (‘El discurso del rey’), de Tom Hooper.
También optaban a este premio los franceses Jean Dujardin, por ‘The Artist’ (‘El artista’), de Michel Hazanavicius; Michel Piccoli, por ‘Habemus Papam’, de Nanni Moretti, y André Wilms, por ‘Le Havre’, de Aki Kaurismäki, así como el sueco Mikael Persbrandt, por ‘Haevnen’ (‘En un mundo mejor’), de Susanne Bier.

La británica Tilda Swinton fue galardonada como mejor actriz por su interpretación en ‘We need to talk about Kevin’ (‘Tenemos que hablar de Kevin’), de Lynne Ramsay. Swinton, que no estuvo presente en la ceremonia, competía por este premio con la germano-estadounidense Kirsten Dunst y la francesa Charlotte Gainsbourg, ambas por su interpretación en ‘Melancholia’ (‘Melancolía’), de Lars von Trier. Asimismo concurrían la belga Cécile de France, por ‘Le gamin au vélo’ (‘El niño de la bicicleta’), de Jean-Pierre y Luc Dardenne, y la rusa Nadezhda Markina, por ‘Elena’, de Andrei Zvyagintsev.

Cuando ‘El topo’ pasó por el Festival de Venecia todo el mundo señaló que Colin Firth era un grandísimo actor, ya con Oscar, pero que 2012 podría encumbrar de una maldita vez a ese dragón británico llamado Gary Oldman. El próximo 23 de diciembre se estrenará en España ‘El Topo’, un thriller de espías protagonizado por ambos, aupado por la crítica y que promete ser un buen plato.

‘El Topo’ es la nueva película del director sueco Tomas Alfredson, responsable de títulos como ‘Déjame entrar’. Está basada en el ‘best seller’ homónimo de John Le Carré que en 1979 ya fue objeto de una adaptación televisiva de la BBC protagonizada entonces por Alec Guiness y que en esta ocasión los guionistas Bridget O’Connor y Peter Straughan han adaptado para la gran pantalla. El listón es alto, con el otrora Obi-Wan como espejo en el que mirarse.

Cuenta con un reparto encabezado por Gary Oldman (‘El caballero oscuro’, ‘Drácula de Bram Stoker’, ‘León, el profesional’) junto a algunos intérpretes británicos como el ganador de un Oscar Colin Firth (‘El discurso del rey’), John Hurt (‘El hombre elefante’), Tom Hardy (‘Origen’), Mark Strong (‘Kick-Ass’), Benedict Cumberbatch (‘War Horse’, ‘Expiación’), y Stephen Graham (‘Enemigos públicos’, ‘Broadwalk Empire’), entre otros.

La banda sonora de la película corre a cargo del compositor español Alberto Iglesias, candidato a los Oscar por su trabajo en la música original de otra adaptación de una novela de John Le Carré al cine, ‘El jardinero fiel’, y ‘Cometas en el cielo’, ganador de nueve premios Goya. Otro que también está a punto de dar el salto definitivo hacia Hollywood poniendo otra piedra más del talento nacional fuera, porque dentro…

El Círculo de Bellas Artes de Madrid ha programado para diciembre un largo ciclo sobre la relación entre el director Federico Fellini y el músico Nino Rota, dos monstruos del séptimo arte que colaboraron en multitud de ocasiones y se convirtieron, cada uno en su campo, en uno de los cantos del cisne del talento artístico italiano en el siglo XX. De esta relación se han hecho muchas ediciones en discos compactos, pero aquí es una proyección que encandila a los amantes de la obra de esta pareja casi perfecta.

Títulado ‘Nino Rota – Federico Fellini: 100 años 1/2’, arrancará el 9 de diciembre y terminará el 15 de enero del año próximo. La entrada es de 5 euros, los socios, los mayores de 65 años y con el carnet joven, sólo 3,40 euros, siempre en la sala de cine de uno de los pocos templos de la cultura que sobrevive de manera libre de muchos gobiernos en Madrid. Todo un referente cultural: primero el cine y luego un café en su celebérrima cafetería con vistas a la calla de Alcalá.

El programa incluye ‘La Strada’, ‘Almas sin conciencia’, ‘Las noches de Cabiria’, ‘Ocho y Medio’, ‘Satiricón’, ‘Los Clowns’, ‘Roma’, ‘Amarcord’, ‘El Casanova’ e ‘Intervista’. Todas en versión original subtitulada en español. Hay posibilidad de tener un abono para cinco sesiones por 15 euros. Más información en www.circulobellasartes.com.

Tablas en Gijón: ‘El Estudiante’, del argentino Santiago Mitre, y ‘Declaración de guerra’, de la francesa Valerie Doncelli, se han llevado ex aequo el premio a la Mejor Película del Festival Internacional de Cine de Gijón. El filme de Mitre, una alegato a favor de la ética en la política, se ha llevado también los galardones en la categoría de guión, y el del Jurado Joven del festival.

La película gala consiguió además los premios al mejor actor por la interpretación de Romeo que ha hecho Jeremie Elkaim y al de mejor actriz por el trabajo que ha hecho la propia directora metiéndose en el papel de Julieta. Aunque distintos en sus temáticas y estilos narrativos, los dos largometrajes “alcanzan un nivel de calidad que los hace merecedores de estos premios y en cierta forma se complementan”, según ha declarado un portavoz del jurado.

El primer largometraje dirigido en solitario por Santiago Mitre, reconocido guionista de Pablo Trapero, “tiene sangre, fibra y un final precioso”, ha afirmado Alberto Fuguet al justificar los galardones en la rueda de prensa en la que se ha dado a conocer el palmarés del certamen. Película de ficción con estética documental que reflexiona sobre la necesidad de recuperar la ética en la política y muestra el “micromundo” de la Universidad de Buenos Aires como un célula del organismo de la política en general.

En cambio, ‘Declaración de Guerra’ es una historia de amor que se desarrolla en el difícil contexto del diagnóstico de cáncer de uno de los integrantes de la pareja, Romeo y Julieta, narrada con sentido del humor y frenesí como contrapunto de la desesperación. El jurado ha valorado la capacidad de la directora para darle al drama un tono de comedia que no solo no le ha restado carga emotiva alguna sino que le ha aportado una nueva perspectiva.

Premio para Gabriel Velázquez

Por otro lado, y ‘Iceberg’, del salmantino Gabriel Velázquez, ha obtenido una Mención Especial por “su honesta y nítida mirada hacia el frágil mundo de la adolescencia a través de las vivencias concretas de sus cuatro protagonistas”.

Es cierto, no es la película del año, pero es una buena excusa para ir al cine. El personaje de El Gato con Botas en la saga ‘Shrek’ era de los más célebres, con un doblaje en inglés y español por parte de Antonio Banderas que hacía reír sólo con oírle con el acento andaluz. Y vuelve para hacer una precuela. Más voces son la de Salma Hayek, que hace de la “gata” Kitty Zarpassuaves. El resto de voces, en la original en inglés, sí tienen peso, pero el doblaje al español se pierde el estrellato. Eso sí, España es de las mejores en este oficio, así que incluso queda mejor. Para divertirse, en la misma línea de ‘Shrek’, así que casi más para padres que para hijos.

SINOPSIS: Mucho antes de que conociera a Shrek, el conocido espadachín, amante y fuera de la ley Gato con Botas se convierte en un héroe al emprender una aventura junto a la dura y espabilada Kitty Zarpassuaves y el astuto Humpty Dumpty para salvar a su pueblo. Complicándoles las cosas por el camino están los infames forajidos Jack y Jill, que harán cualquier cosa para que Gato y su banda no lo consigan.