All posts in Arte

‘Vietnam. 50 años. Fotografías de Larry Burrows’ es un compendio de lo mejor de este fotógrafo de la revista ‘Life’, testigo y narrador visual de una de las guerras más sucias y que más influencia social tuvo en Occidente durante el pasado siglo. Se presenta en la Sala San Benito de Valladolid hasta el 1 de noviembre. La exposición es también la primera presentación en España de las fotografías de Burrows.

La exposición que conmemora los 50 años de la guerra (1961-2011), presenta un monográfico del conflicto a través de las fotografías que Burrows tomó durante los años que trabajó allí como periodista gráfico,  desde su llegada en 1962 hasta su muerte en el conflicto en 1971. Las fotografías se presentan en blanco y negro y en color, en un momento en que la fotografía de guerra en color todavía era muy escasa. Burrows fue uno de los maestros precursores que estableció unos parámetros del color difíciles de igualar incluso hoy en día.

En Vietnam, el fotoperiodismo llegó a sus cotas máximas de libertad de expresión: se trabajó libremente y se difundieron imágenes de la guerra que ayudaron amostrar su crueldad al mundo y a influenciar enormemente en la opinión pública, especialmente en los EEUU. Supuso el principio y el fin del fotoperiodismo libre; fue la última guerra fotografiada por los fotoperiodistas.

Lugar: Sala de Exposiciones San Benito (Valladolid)

Horarios: de martes a domingo y festivos de 12.00 a 14.00 y de 18.30 a 21.30 horas. Lunes cerrado. Entrada gratuita.

Al final no hizo falta alguna de violencia policial, muy habitual en el Berlín okupa: los polizei de verde saben bien cómo se las gastan los grupos de anarquistas, así que por la noche, ayer mismo, se terminaba pacíficamente uno de los símbolos más fuertes de la creación artística independiente, y uno de los rincones que más nos ha gustado a muchos de los que estamos en El Corso: Tacheles. Para tan funesta ocasión recuperamos un post especial en nuestro blog, Corso Expresso, con el que daremos la puntilla de este lugar tan emblemático.

Los dueños de tan goloso edificio ruinoso, en pleno centro del Mitte, el distrito central de Berlín, el paraíso del graffiti, las galerías minúsculas, de uno de los mejores garitos del mundo, el Zapata, de las exposiciones, circos, talleres, una cafetería que parecía colgada de una ciudad bombardeada… una verdadera pena. Una tragedia para los berlinófilos. Al parecer incluso la policía ha dejado tiempo para el traslado de las esculturas y obras de arte de las decenas de galerías autofinanciadas del viejo edificio, que fue primero grandes almacenes, después prisión de la SS y la Gestapo, diana de la artillería rusa más tarde y posteriormente ruina total hasta que los colectivos de artistas libres berlineses de los 80 se hicieron cargo del inmueble. Muy goloso para los empresarios por su ubicación, así que se terminó.

Con un año de aviso, lentamente se han cobrado las indemnizaciones (lo hicieron los dueños del Viva Zapata) y se han trasladado a una nueva zona asignada, pero también al sacrosanto Kreuzberg, el barrio más rojo de Berlín. Los artistas buenos de verdad se fueron a finales del siglo XX, y ahora era más pasto del turismo cultural que otra cosa: miles y miles de erasmus y estudiantes llenaban el Tacheles cada noche.

Como cuenta hoy ‘El Mundo’, “el abogado de los okupas, Michael Schultz, que se niega a comentar el tipo de acuerdo al que se ha llegado finalmente con sus clientes, ha supervisado personalmente el desalojo y los representantes del propietario del mítico Tacheles, el banco HSH Nordbank, consideran que la operación se ha producido de forma satisfactoria”.

El CAB de Burgos ya tiene nuevo inquilino, Hans Op de Beeck (Bélgica), que ha diseñado ‘Sea of Tranquility’ como un gran sueño perdido en una estética y una bruma tan típicamente escandinava que en lugar de su Bélgica natal parece salido del fiordo de Trondheim. La exposición y el vídeo del mismo nombre recrea un ambiente melancólico y brumoso de un museo todavía sin inaugurar o después de la hora de cierre: el silencio y la misteriosa atmósfera nocturna se instala en el ánimo del espectador, que ingresa en un espacio que recuerda al ámbito en penumbra de los museos antiguos y que propone un recorrido alucinante determinado por acuarelas, grandes maquetas, esculturas y vitrinas llenas de pequeñas piezas.

La pieza central es ese cortometraje de gran sofisticación que suma actores reales con creaciones digitales, como ese barco inmenso que cruza las aguas con la frialdad de una creación irreal. Op de Beeck utiliza este símbolo del poder industrial como una metáfora del lujo y el ocio, tan presentes en Occidente. La exposición y el vídeo utiliza los lugares cotidianos para fustigar al espectador, vaciando casi de humanidad a los hombres y mujeres. Como si fuéramos parte de esa artificialidad.

www.hansopdebeeck.com/

Hasta el 30 de junio – CAB

Horario: de martes a viernes de 12.00 a 14.00 horas y de 17.30 a 20.00 horas. Los viernes se cierra a las 21.00 horas. Sábados de 11.30 a 14.30 y de 17.30 a 21.00 horas. Domingos y festivos de 11.30 a 14.30 horas. Entrada gratuita.

La colección ‘El Ojo que ves’ de la editorial La Fábrica es el resultado del Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler, y que en este número se centra en Juan del Junco (cuya obra ha sido vista en la Universidad de Salamanca y en las publicaciones especializadas de esta institución, por ejemplo).

Se han editado cuatro libros, estando el quinto, dedicado a Karen Knorr, actualmente en proceso editorial.  
Será realizado por Quentin Bajac (conservador de fotografía del Centre Pompidou) y Kathi Kubicki (Editor of the Journal of Photography & Culture, Berg UK).
Junto a ellos, desde esta Editorial se han promovido otros proyectos como: ‘Claves de Arte’; ‘El ojo que ves’ o ‘Modernstarts’. El Premio de fotografía citado se vincula al nombre de la coleccionista Pilar Citoler cuya colección se ha especializado en fotografía y vídeo contemporáneo. Pilar Citoler recibió en 2005 el Premio ARCO al coleccionismo privado en España y en diciembre de 2007 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes. Presidió el Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, entre 2007 y 2010. Se ha editado en versión bilingüe (español – inglés), bajo la dirección de Alfonso de la Torre.

La exposición ‘Joan Miró. La escalera de la evasión’ reúne desde el 14 de octubre en la Fundación Miró más de un centenar de obras del artista, algunas muy significativas. La muestra pone de manifiesto el compromiso de Miró con su tiempo.

Las primeras salas exploran los vínculos de Miró con su Cataluña natal, con obras como ‘La masía’ (1921-1922), ‘Tierra labrada’ (1923-1924) y ‘Paisaje catalán’ (El cazador) (1923-1924) , el contacto con Paris y la liberación creativa del surrealismo. En la sección central, el drama de la Guerra Civil española y la segunda guerra mundial se reflejan en el nuevo lenguaje pictórico con obras como ‘Naturaleza muerta del zapato viejo’ (1937) o las ‘Constelaciones’ (1940-1941). La última sección examina la etapa final de la dictadura franquista, con obras como ‘Mayo 1968’ (1968-1973) o el tríptico ‘La esperanza del condenado a muerte’ (1974). De forma complementaria a la exposición, se presenta un audiovisual coproducido con la Universitat Pompeu Fabra en el que se entrevista a personas del entorno de Joan Miró y otros catalanes destacados.

Horario: De martes a sábado, de 10.00 a 19.00 horas; jueves, de 10.00 a 21.30 horas. Domingos y festivos, de 10 a 14.30 horas. Precio: 10 euros.

Con la entrada a Joan Miró. La escalera de la evasión, 2×1 para la exposición Joan Miró. Carteles de un tiempo, de un país en el Museu d’Història de Catalunya

Venta anticipada y más información: www.fundaciomiro-bcn.org

Dentro del año de relación cultural España-Rusia, llegó el pasado jueves a la Fundación Mapfre de Madrid la exposición ‘Aleksandr Deineka (1899-1969). Una vanguardia para el proletariado’, una completa retrospectiva de la principal figura del llamado ‘realismo socialista’ soviético, vista por primera vez en nuestro país.

La muestra consta de más de 80 óleos, algunos de gran formato, que se completan con fotografías, audiovisuales, obra sobre papel, libros infantiles, carteles y revistas, hasta un total de 250 piezas, entre obras y documentos. En su mayoría provienen de la Galería Estatal Tretyakov y el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo, así como de algunos museos provinciales de Rusia y de una serie de colecciones públicas y privadas de España, Europa y Estados Unidos.

Esta retrospectiva, que estará abierta hasta el 15 de enero de 2012, abarca desde los inicios de Deineka en los movimientos de vanguardia de las primeras décadas del siglo XX hasta la práctica del realismo y la figuración de los años 30 y 40. Sus escenas de masas y fábricas se revelan como metáforas de los ideales que comenzaban ya a convertirse en el motor y la fuerza de una de las potencias que definiría buena parte del siglo XX: la utopía soviética de la total transformación revolucionaria de la realidad social y material por la dialéctica del capital y del trabajo.

El Museo Guggenheim Bilbao recoge el testigo de la calidad en el norte, con el Niemeyer ya en plena cuesta abajo, y presenta del 8 de octubre de 2011 al 15 de abril de 2012 Brancusi-Serra, la exposición más importante hasta la fecha dedicada a dos de los escultores más relevantes del siglo XX: Constantin Brancusi (1876-1957) y Richard Serra (1938).

Organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Fondation Beyeler de Basilea, la muestra examina la relación entre estos dos pioneros de la escultura por medio de cerca de cincuenta obras; una mirada única a más de un siglo en el desarrollo de la escultura moderna.

Brancusi, nacido en Rumanía y residente en París desde 1904, redujo las formas escultóricas a su esencia, sentando así las bases primordiales para la escultura abstracta. Medio siglo más tarde, el artista estadounidense Richard Serra ha redefinido el efecto de la escultura creando minimalistas piezas de acero que atraen, literalmente, al observador a la obra. La muestra, concebida conjuntamente por el Museo Guggenheim Bilbao y la Fondation Beyeler y comisariada por Oliver Wick, confronta la obra de estos dos artistas y propone un diálogo abierto entre ellos; ambos artistas han dejado una impronta dinámica en la historia del arte y han cambiado para siempre el curso de la escultura moderna.

Barcelona abre puertas a una colectiva en sus galerías. Desde el 29 de septiembre y hasta el 29 de octubre se celebra la 3ª edición del Otoño del Arte, que este año está dedicada al concepto de la luz y se titula ON-OFF. En esta edición, participaran 90 galerías e instituciones, y por primera vez también se sumaran a la iniciativa dos galerías de Berlín.

Exposición de las piezas. Cada una de las galerías participantes, repartidas por todo Cataluña, expone una pieza vinculada a ON-OFF, a excepción de 37 piezas que se exponen colectivamente en el Arts Santa Mònica. Este equipamiento situado en La Rambla Santa Mònica acogerá más de una treintena de piezas a modo de exposición colectiva que se podrá visitar del 7 de octubre al 6 de noviembre. La exposición presenta obras de artistas nacionales e internacionales, que nos permiten conocer su visión multi disciplinar sobre el concepto de la luz. En el Arts Santa Mónica se podrá ver pintura,  escultura, fotografía, instalaciones, técnicas mixtas y performances.

Por una vez, y sin que sirva de precedente, la realidad se adelanta a la revista El Corso. Para este mes teníamos preparado un reportaje sobre el Centro Niemeyer, temiendo, como se ha demostrado, que las nuevas autoridades conservadoras del Principado iban a reajustar años de trabajo de tejido cultural socialista. Lo comentamos en un post de nuestro blog Corso Expresso el pasado 25 de septiembre, y se demuestra ahora con esta noticia que en El País firma Ana Marcos. Las razones son las desavenencias en la forma de organizar el centro, y presuponemos que no sin mucha razón habida cuenta del vacío que provoca su visita. Para más información simplemente esperad al 5 de octubre para leer el reportaje que tenemos preparado. Los dos problemas aducidos por el nuevo gobierno en minoría de Álvarez-Cascos son la cesión gratuita de los terrenos donde se construyó el centro (y el uso de los edificios) y la representación oficial autonómica en el patronato de la fundación que dirige el centro; esto es, una cuestión de dinero y de quién manda. Igual esta vez la ideología no es el fondo, pero la cuestión es que las pérdidas serán de 600.000 euros entre devoluciones e indemnizaciones. El espectáculo de María Pagés el 8 de octubre será el último.

El próximo 8 de octubre el Artium de Vitoria abre nueva temporada con seis exposiciones que son el eje sobre el cual orbitará el resto de la programación del principal centro contemporáneo del norte junto con el Guggenheim bilbaíno.Os ofrecemos un pequeño avance para abrir boca.

Esther Ferrer

‘En cuatro movimientos’

Comisaria: Rosa Olivares. Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz) y Acción Cultural Española (AC/E). Coproducido por CGAC (Santiago de Compostela) y Es Baluard (Palma de Mallorca)
. Con el patrocinio de Naturgas Energia y la Diputación Foral de Álava.

Praxis. Jenny Marketou

‘Paperophanies’. Comisaria: Blanca de la Torre. Producida por ARTIUM

Estancias. Prácticas restituyentes sobre la Colección ARTIUM

Comisarios: Mar Villaespesa y BNV Producciones (Joaquín Vázquez),con la participación de Bulegoa z/b, Fundación Rodríguez, Valentín Roma y Laura Trafí-Prats. Producida por ARTIUM. 
Con el patrocinio del Ministerio de Cultura y la Diputación Foral de Álava.

Luz adentro. Carmelo Ortiz de Elgea, 
José Luis Zumeta

Comisarios: Daniel Castillejo y Enrique Martínez Goikoetxea. Producida por ARTIUM
Con el patrocinio de Tubacex, Norbega y la Diputación Foral de Álava.

Álava, escenario artístico contemporáneo. Exposición bibliográfica. Producida por ARTIUM.

Catástrofes. Exposición pedagógica. Comisaria: Charo Garaigorta
. Producida por ARTIUM