Los clásicos siempre ganan: especialmente en el mundo de las letras y si son del siglo XX. Noemí G. Sabugal, periodista y escritora, autora de ‘El asesinato de Sócrates’ y habitual de la Semana Negra de Gijón, analiza la figura de Dashiell Hammett, quizás el más comprometido y original de los escritores de serie negra.
Noticias
La exposición del año, la reverencia de la industria cultural oficial al pintor realista español por definición. La muestra estará en el Thyssen-Bornemisza hasta el 25 de septiembre.
Por Luis Cadenas
El museo con mayor capacidad para cambiar y generar exposiciones, habida cuenta de los virajes que hace para exhibir sus obras o las de otros, Antonio López ocupará las salas de exposición temporal del Thyssen-Bornemisza madrileño. Una completa representación de la obra del artista español, un manchego universal de Tomelloso que vio la luz en el peor año del siglo para España, 1936, y que desde entonces se ha mostrado como el gran maestro de un estilo arrinconado en Europa y recuperado por los norteamericanos, a su manera. Incluirá tanto óleos como dibujos y esculturas, de algunos de sus temas más habituales, como son los interiores domésticos, la figura humana, paisajes y vistas urbanas, principalmente de Madrid, o sus composiciones frutales. Antonio López busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos susceptibles de ser retratados en su obra, y lo hace con una elaboración lenta y meditada, masticando los detalles, buscando captar la esencia de aquello que quiere representar. No creando referencias nuevas entre el espectador y lo representado, sino siendo un fiel espejo. Eso es Antonio López, el mundo en el espejo.
Dijo un crítico una vez que el problema de Antonio López es su nombre. Es decir, que no es alguien que haya creado marca. Es posible, pero después de la senda que marca y ha marcado en múltiples apariciones públicas, desde conferencias universitarias a mesas redondas o películas documentales, posiblemente eso sea una nimiedad. Más aún cuando es el pintor español vivo más cotizado, con múltiples dígitos en las subastas de sus obras y una idea muy clara: “el arte está cada vez más alejado de la gente”, según rememoró hace algún tiempo durante una de sus conferencias más largas y abiertas al público. Fue durante una charla en la Universidad de Salamanca, más de un año atrás, cuando resumió lo que él entendía por ser Antonio López y el arte mismo: “Los artistas se metieron en el siglo XIX en unas circunstancias terribles para expresarse en libertad, porque igual no se ha usado bien”. Receta: “Que el artista no se crea superior y que la gente preste algo más de atención”. “Si tuviera que destacar algo, sería la ilusión, o la pasión con el que ha llevado el trabajo. Creo que mantener eso no le va a pasar a todo el mundo”.
Antonio López nunca se ha definido como un hiperrealista, “pero no puedes estar siempre saliendo al paso de todo. Pienso que estaría mejor sin el hiper. Eso es un movimiento que nació en América y yo no me considero miembro de ese estilo. Ningún pintor figurativo europeo es hiperrealista”. Porque las modas condicionan todo y a todos, es una continua injerencia en un camino más solitario dentro de la creación artística. Ante eso, López recordó que hay que evitar “paralizarse” y seguir adelante. En aquella conferencia López aseguró que la libertad total es imposible, “porque vivimos todos muy juntos y hay que ser generoso con los demás”. Esto es, conciliar nuestra libertad personal con el resto. Y eso implicaría las tecnologías, ya que todo lo nuevo no implica la muerte del arte: sólo es un cambio de soporte. “¿Qué más da pintar sobre la piedra en Altamira que en la pantalla de un ordenador?”.
Fue él mismo, además, quien dijo que “una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades”, por lo que no hace falta tener en cuenta el soporte: lo que importa es la creación misma. El paseo ante sus cuadros desvelará al espectador lo que es la mano más pincel de López, un trabajo meticuloso, diario, tan detallista en lo material como en lo espiritual. Muchos de sus cuadros son producto de años de trabajo y cambios, hasta llegar a esos límites de los que él habla. Destila con cada pincelada la esencia, y es capaz de alargar sin vergüenza alguna su obra durante décadas. Cada trazo es intenso e inalterable. De ahí un nivel de precisión que convierte sus cuadros en auténticas fotografías, pero también muchas de sus esculturas, como las cabezas de bebé de la estación de Atocha, ‘Día’ y ‘Noche’. Todo resumido, además, en una película, ‘El sol del membrillo’ (1990), de Víctor Erice, que disecciona a la perfección el nivel creativo de López. Frente a las idas y venidas de las modas, de los estilos, de las escuelas, López ha permanecido inalterable en su particular visión, totalmente fiel a sí mismo más allá de lo que puedan hacer o decir fuera de su círculo. Es, en realidad, una roca pictórica, el ultimo fiel a una idea personal.
Recuperamos el reportaje sobre Paco Roca, uno de los más laureados y reconocidos autores del cómic nacional, marcado a fuego por la intención de que tenga una dimensión literaria, social, realista.
Por Luis Cadenas
El Salón del Cómic de Barcelona de este año echó el cierre con la consagración, o mejor dicho, la continuación de la consagración, del autor Paco Roca, uno de los máximos exponentes del cómic social. El mismo valenciano tímido y de sonrisa aniñada, a pesar de figurar 1969 en su partida de nacimiento; el mismo que recibió el Premio Nacional del Cómic dos años atrás, en parte gracias al éxito brutal de ‘Arrugas’, un volumen especial en el que afrontaba la terrible enfermedad del Alzheimer en los ancianos. Quien busque superhéroes o pura fantasía en Roca va más que servido de lo contrario: “Los medios hablan ya del comic como una forma de literatura, y ya no hace falta ir a las tiendas especializadas”, cuenta el guionista y dibujante, consciente de que el comic ha trascendido por completo sus fronteras formales y que ya es una herramienta de expresión única. Algo que hay que entender “como un medio artístico y dentro cabe todo, y cabe también el tema social. Quizás hasta ahora no se había podido desarrollar en el formato de novela gráfica, que permite desarrollar una historia que antes no podías”.
Roca repite este año con ‘El invierno del dibujante’ (Astiberri, su editorial de cabecera, con la que publicó también ‘Arrugas’), con el que ganó en esta edición del Salón del Cómic el premio a la mejor obra y el mejor guión. En ‘El invierno del dibujante’, Roca hace una entrañable revisión de lo que era la vida de la editorial Bruguera, con la dictadura franquista como telón de fondo, y con la salida en 1957 de algunos de sus mejores autores, hartos del despotismo y la satrapía empresarial, para crear la revista libre ‘Tío Vivo’, en la que estos profesionales del cómic nacional querían disponer de todo el control creativo de sus personajes, una aventura que acabó en fracaso. Una muestra más de que el cómic se abre, y debería abrirse, a otras vías y otros temas. Un género que fusiona literatura y pintura como pocas cosas, que genera una gran diversidad de temas, abandonando los nichos de siempre (ciencia-ficción, terror, aventuras, la épica). Para Roca se trata de “una lectura que interesa a todo tipo de público. Se puede encontrar de todo, desde malos tratos a las mujeres, el 11-S, sucesos históricos… Se está abriendo mucho más”. Roca es un innovador: le ha dado una vuelta de tuerca al cómic hasta crear el mencionado cómic social, una tendencia en la que le acompaña Miguel Gallardo, con el que tiene en mente varios proyectos.
¿El cómic es un arte? “Creo que quien no lo conoce es el único que puede decir que no es un arte, y está demostrando que es un medio que puede hablar de muchas cosas y es algo que lo convierte en algo especial”. Ese “algo” se traduce en todo un abanico de posibilidades que salen de la “caverna”. Un ejemplo es su amigo y cómplice en ‘Emocional World Tour’, con Gallardo, publicado en Astiberri en 2009 y que es parte de esa herencia de nuevo cómic, una especie de diario surgido a partir de los viajes de Roca y de la maestría, en el mismo campo, de Gallardo, autor de ‘María y yo’ (sobre el autismo infantil). De hecho, la tendencia recibió el espaldarazo final en su persona, pero también en este Salón del Cómic, al mismo nivel que el resurgir del género de terror, puro o mestizo, donde los zombis volvieron a ser la llave que abre muchas puertas después de arrasar en la literatura fantástica en esta primera década del siglo XXI.
El Bierzo, una gran señal de un puño que marcó para siempre el noroeste, lleva siglos dándole al mundo lo que más ansía: oro y vino.
TEA tenía otra exposición abierta (una gran retrospectiva) que desvela parte de la creatividad de las islas, y conecta con otro punto alejado de España, Salamanca, donde Pedro Garhel (1952-2005) impartió clases y dejó huella al ser un pionero del videoarte, directamente entroncado con la Movida y con el resurgir del arte contemporáneo en el país. Todo un iniciado del arte multimedia en España cuando en la primera mitad de los setenta, junto con Rosa Galindo, centrara su labor en la investigación de otros modos de expresión que le llevó a la performance y prácticas basadas en el cuerpo como soporte y herramienta de creación. Su retrospectiva, que ya estuvo en 2010 en el DA2 salmantino, viaja, o mejor dicho, regresa a casa hasta el 23 de octubre. Inaugurada el pasado mes de julio en el TEA, es una de las grandes exposiciones originales del centro.
FOTOS: L. C. Prieto
La muestra ‘Pedro Garhel. Retrospectiva’, comisariada por Karin Ohlenschläger, reúne gran parte del universo creativo de este artista al que se le rinde tributo al tiempo que se difunde su trabajo y su particular punto de vista, siempre pegado a los continuos cambios de la sociedad en la que vivió. Y siempre con la tecnología como vara de medir, como una parte incrustada más de nuestra identidad como sujetos. Es decir: le tocó vivir una época en la que humano y técnica se fusionan, y él adoptó el videoarte como mejor herramienta. Horarios: de martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas, lunes cerrado. Gratis.
TEA Tenerife Espacio de las Artes se acerca al final de una de sus exposiciones, la de Teo Sabando, ‘Jardín de invierno’, inaugurada en el pasado febrero y que estará hasta el 2 de octubre. Para nuestros lectores en Canarias, más vale espabilar para una forma totalmente diferente de entender el arte, donde le dibujo cobra un protagonismo esencial, igual que el simbolismo de un particular ajedrez. Por primera vez Canarias descubre la obra del artista navarro Teo Sabando.
FOTOS: L. C. Prieto
Considerado como uno de los representantes más notables del arte conceptual del último cuarto de siglo en Euskadi,Sabando se baña en dos colores sencillos, blaco y negro, para trazar el mapa de sueños, fantasías que están fuertemente atadas a la realidad: por el escapismo de la imaginación se llega al mundo real, una paradoja. “Cada uno de los trabajos que aquí presento pertenece a un sueño”, reconoce el creador que confiesa que él intenta ser “lo más permeable posible al mundo, pero no al mundo real sino al de la imaginación”. Autor de una quincena de libros originales y cajas, Sabando ha paseado su obra por el Palacio Provincial de Zaragoza, en el Museo de San Telmo de San Sebastián, en la Sala Rekalde de Bilbao, y en las galerías Altxerri de San Sebastián, Vanguardia de Bilbao, y Artefacto de Bruselas.
Para el próximo 16 de septiembre hay una pequeña recomendación que también vive de las palomitas: comedia de situación llevada al cine. Uno de los atractivos de ‘Cómo acabar con tu jefe’, además de lo meramente didáctico (quien no haya soñado con eso es que no tiene alma), es la presencia de tres grandes actores algo apartados del eje de la grandeza (Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Colin Farrell, los tres jefes) y de uno de los grandes hijos del ‘Saturday Night Live’, Jason Sudekis. También está presente Jason Bateman, Charlie Day y Jamie Foxx, que encarna a un maestro de la estafa y asesor de los tres últimos para machacar a sus jefes: un psicópata, una devoradora de hombres y un inútil, respectivamente. El guión lo firman Michael Markowitz, John Francis Daley y Jonathan Goldstein; basado en un argumento de Michael Markowitz. Con dirección de Seth Gordon y el dinero de Warner Bros.
Esta vez cine documental, con la legendaria coreógrafa alemana Pina Bausch en la memoria y el trabajo. ‘Dancing dreams’ es un documental de 2010 que llega por fin a España. Realizado por Anne Linsel y Rainer Hoffmann, tiene el gran valor de ser la última vez que Bausch habló a los medios, precisamente para este documental alrededor de su obra y su estilo. ‘Dancing Dreams’ cuenta la aventura que Pina Bausch emprende en 2008 cuando decide reinterpretar su famoso espectáculo ‘Kontakthof’, ya no con su compañía, sino con chicos de 14 a 18 años que no han pisado nunca un escenario. Durante 10 meses, Anne Linsel y Rainer Hoffmann trabajaron en paralelo rodando con ellos, para mostrar algo más que las escenas de baile, sino también la evolución personal de esos mismos chicos y de cómo el baile les cambia a nivel personal. Estreno hoy 2 de septiembre.
Día de estreno de cine. Como ya hablamos de ‘La piel que habito’, de Almodóvar, entramos con la preferida del público según muchos sondeos en foros de la red. Es obvio, porque Pedro está algo perdido con el público últimamente. Se trata de ‘Cowboys and Aliens’, de Jon Favreau, uno de los nuevos reyes del género que transita entre la ciencia-ficción y las palomitas. Y con la producción ejecutiva de Steven Spielberg.
Sinopsis: Es el año 1875 en la región de Nuevo México. Un extraño sin recuerdos de su pasado llega a un pueblo del desierto, Absolution. La única pista de su historia es un misterioso grillete que le rodea la muñeca. Lo que descubre es que la gente del pueblo no da la bienvenida a los forasteros, y nadie hace un movimiento en sus calles a menos que la orden de hacerlo venga de la mano del coronel Dolarhydel. Es un pueblo que vive en el miedo. Pero Absolution está a punto de experimentar algo que apenas puede comprender, ya que el desolado pueblo es atacado por merodeadores desde el cielo. Descendiendo con estrépito a una velocidad impresionante y con unas luces cegadoras para abducir uno a uno a la gente indefensa, esos misteriosos visitantes desbordan todo lo que el pueblo haya conocido hasta ahora. Ahora, ese desconocido al que rechazaron es su única esperanza para la salvación.
A partir de aquí lo que hay es un cruce extraño de géneros, entre el western industrializado y los vericuetos del sci-fi, que cada vez invade y rompe más fronteras de formatos del cine. Cuando un género tiene éxito suele tomar ese camino, conquistar a los demás y mezclarse con otros. En el elenco destacan tres nombres: Daniel Craig, el forastero, luego Harrison Ford, que poco a poco se adapta a su nuevo rol en el cine, el de secundario de lujo; y luego está “13”, Olivia Wilde, que aprovecha su papel en ‘House’ para expandirse ella también hacia el cine. Estreno hoy día 2 de septiembre.
Primer tour de Stearica por ciudades españolas con el disco ‘Oltre’. Todo comenzará el 23 de octubre en La2 de Barcelona, luego Valencia, en la Sala Matisse; el tercer día será otro punto fuerte en El Perro de la parte de atrás del Coche de Madrid y la gira terminará en el sur, en el Rincon Pío Sound (Don Benito). Según la discográfica Aloud, “ Stearica es uno de esos grupos que en directo crece mucho”.
ESCUCHA “OLTRE” EN RADIO ON- LINE. (Aloud Music)
